첼로 또는 바이올론첼로(/ˌvaɪələnˈtʃɛloʊ/ VY-ə-lən-CHEL - 오; 이탈리아어 발음 : [vjolonˈtʃɛllo])[1]은 바이올린 가족의 활을 쏘고 
(때로는 뽑히고 때로는 때리는) 현악기입니다. 네 개의 문자열은 일반적으로 낮은 문자열에서 높음, C2, G2, D3 및 A3까지 완벽한 다섯 번째 문자열로 조정됩니다. 
비올라의 네 개의 문자열은 각각 옥타브 더 높습니다. 첼로를위한 음악은 일반적으로 테너 클레프 또는 알토 클레프와 고음 클레프와 함께 저음 클레프로 작성됩니다.
첼리스트 또는 바이올론첼리스트가 연주하는이 곡은 반주 유무에 관계없이 큰 솔로 레퍼토리와 수많은 협주곡을 즐깁니다. 솔로 악기로서 첼로는 베이스부터
 소프라노까지 모든 범위를 사용하며, 현악 사중주와 오케스트라의 현악 섹션과 같은 실내악에서는 종종 베이스 부분을 연주하며, 
더블 베이스에 의해 옥타브 하강이 강화될 수 있습니다. 
바로크 시대의 피겨 베이스 음악은 일반적으로 첼로, 비올라 다 감바 또는 바순을 오르간, 하프시 코드, 루트 또는 테오보와 같은 코드 악기와 함께 
베이스 연속체 그룹의 일부로 가정합니다. 첼로는 현대 중국 오케스트라에서 첼로 록 밴드에 이르기까지 많은 다른 앙상블에서 발견됩니다.

첼로라는 이름은 "작은 바이올론"을 의미하는 이탈리아 바이올론첼로[2]의 결말에서 유래되었습니다. Violone ( "big viola")은 viol (viola da gamba) 가족 
또는 바이올린 (viola da braccio) 가족의 큰 구성원이었습니다. 오늘날 "바이올론"이라는 용어는 일반적으로 바이올의 가장 낮은 음조의 악기를 말하며, 영국, 특히 프랑스를 제외한 대부분의 국가에서 17 세기 말에 유행에서 벗어난 현악기 계열로, 더 큰 바이올린 가족이 그 나라에서도 더 큰 인기를 얻기 전에 또 다른 반세기 동안 살아남았습니다. 현대 심포니 오케스트라에서는 두 번째로 큰 현악기입니다 (더블베이스가 가장 큽니다). 따라서 "violoncello"라는 이름은 증강 적 "-one"( "큰")과 작은 "-cello"( "작은")를 모두 포함했습니다. 20세기로 접어들면서 이름을 '첼로'로 짧게 하는 것이 일반적이 되었고, 아포스트로피는 사라진 줄기를 가리킨다. [3] 이제는 아포스트로피가 없는 "첼로"를 전체 명칭으로 사용하는 것이 관례입니다. [3] Viol은 현악기를 의미하는 중세 라틴어 vitula에서 파생 된 뿌리 비올라에서 파생되었습니다.

첼로 오픈 스트링 오디오 스피커 아이콘플레이

Cello close-up with a bow.
첼로는 C2 (중간 C 아래의 두 옥타브)부터 시작하여 G2, D3 및 A3으로 다섯 번째로 조정됩니다. 그것은 비올라와 정확히 같은 간격과 문자열로 조정되지만 옥타브는 더 낮습니다. 
더블 베이스와 마찬가지로, 첼로는 악기의 무게를 지탱하기 위해 바닥에 놓인 엔드 핀을 가지고 있습니다. 첼로는 유럽 클래식 음악과 가장 밀접한 관련이 있습니다. 
이 악기는 현악 섹션의 일부로 표준 오케스트라의 일부이며 현악 사중주의베이스 목소리 (많은 작곡가들도 멜로디 역할을 제공하지만)이며 다른 많은 챔버 그룹의 일부입니다.

작품
첼로에서 가장 잘 알려진 바로크 양식의 작품 중에는 요한 세바스티안 바흐 (Johann Sebastian Bach)의 여섯 개의 비동반 스위트 룸이 있습니다. 
다른 중요한 작품으로는 안토니오 비발디의 소나타스와 협주곡, 프란체스코 제미니아니와 조반니 보논치니의 솔로 소나타 등이 있습니다. 
도메니코 가브리엘리는 첼로를 솔로 악기로 취급한 최초의 작곡가 중 한 명이다. 베이스 콘티누오 악기 바소 연속체로서 첼로는 프란체스카 카치니(Francesca Caccini, 1587-1641), 
바바라 스트로치(Barbara Strozzi, 1619-1677)가 바이올린과 베이스 연속체를 위해 6개의 소나타를 쓴 
2-5 voci e basso continuo, op. 1, Elisabeth Jacquet de La Guerre(1665-1729)와 같은 작품으로 사용되었을 것이다. 
첼로를 배우기위한 가장 초기의 알려진 매뉴얼,[인용 필요] Francesco Supriani의 Principij da imparare a suonare il violoncello e con 12 Toccate a solo (1753 년 이전)
이 시대부터 시작되었습니다. 작품의 제목에서 알 수 있듯이, 그것은 요한 세바스티안 바흐의 첼로 스위트와 함께 솔로 첼로를위한 12 개의 토카타를 포함하고 있으며, 
그 유형의 첫 번째 작품 중 일부입니다.

고전 시대부터 C 장조와 D 장조의 조셉 하이든의 두 협주곡이 눈에 띄는데, 루드비히 판 베토벤의 첼로와 피아노포르테를 위한 다섯 개의 소나타도 
그의 작곡 진화의 중요한 세 시기에 걸쳐 있다. 다른 뛰어난 예로는 Carl Philipp Emanuel Bach의 세 협주곡, dall'Abaco의 Capricci, Flackton, Boismortier, Luigi Boccherini의 
Sonatas가 있습니다. 피아노, 클라리넷, 비올라, 첼로를 위한 디버티멘토는 브런즈윅-울펜뷔텔(1739-1807)의 안나 아말리아 공작부인의 생존 작품 중 하나이다.

낭만주의 시대의 유명한 작품으로는 Robert Schumann Concerto, Antonín Dvořák Concerto, 최초의 Camille Saint-Saëns 협주곡, Johannes Brahms의 두 소나타 및 
이중 협주곡이 있습니다. 낭만주의 시대의 첼로 작곡에 대한 검토에는 첼로와 피아노를 위해 G Minor에서 판타지아를 작곡 한 독일 작곡가 
Fanny Mendelssohn (1805-1847)과 첼로를위한 A 플랫의 카프리치오가 포함되어야합니다. 

19 세기 후반과 20 세기 초반의 작곡에는 Dame Ethel Smyth (1858-1944 년에 쓰여진 C Minor의 첼로 소나타 포함), 에드워드 엘가의 첼로 협주곡 E 단조, 
클로드 드뷔시의 첼로와 피아노를위한 소나타, 졸탄 코달리와 폴 힌데미트의 비동반 첼로 소나타 등이 있습니다. 첼로를 포함한 작품은 
American Music Center의 설립자 인 Marion Bauer (1882-1955) (플루트, 첼로 및 피아노를위한 두 개의 트리오 소나타)와 Ruth Crawford Seeger (1901-1953) 
(바순과 첼로를위한 디아포닉 스위트 2 번)가 작곡했습니다.

첼로의 다양성은 Sergei Prokofiev, Dmitri Shostakovich, Benjamin Britten, György Ligeti, Witold Lutoslawski 및 Henri Dutilleux와 같은이 시대의 많은 작곡가들에게 인기가있었습니다. 폴란드 작곡가 Grażyna Bacewicz (1909-1969)는 첼로와 오케스트라의 협주곡 1 번 (1951), 첼로와 오케스트라의 협주곡 2 번 (1963)과 함께 20 세기 중반에 첼로를 위해 작곡했으며 1964 년에는 네 개의 첼로를 위해 콰르텟을 작곡했습니다.

Quartets and other ensembles
첼로는 전통적인 현악 사중주뿐만 아니라 현악 퀸텟, sextet 또는 trios 및 기타 혼합 앙상블의 구성원입니다. 두 개, 세 개, 네 개 또는 
그 이상의 첼로를 위해 쓰여진 조각도 있습니다. 이러한 유형의 앙상블은 "첼로 합창단"이라고도하며 그 소리는 로시니의 윌리엄 텔 서곡
 (William Tell Overture)에 대한 소개와 베르디의 나부코에서의 자카리아의기도 장면에서 친숙합니다. 차이코프스키의 1812년 서곡은 첼로 앙상블로 시작하는데, 
네 개의 첼로가 탑 라인을 연주하고 두 개의 바이올라가 베이스 라인을 연주한다. 자급 자족 앙상블로서, 가장 유명한 레퍼토리는 Heitor Villa-Lobos의 
첼로 앙상블을위한 Bachianas Brasileiras 중 첫 번째입니다 (다섯 번째는 소프라노와 8 첼로를위한 것입니다). 다른 예로는 Offenbach의 첼로 듀엣, 쿼텟 및 sextet, 
여덟 개의 첼로를위한 Pärt의 Fratres, 일곱 첼로를위한 Boulez의 메시지 퀴스 또는 심지어 Villa-Lobos의 거의 연주되지 않은 Fantasia Concertante (1958)가 32 첼로입니다. 
베를린 필 하모닉 오케스트라의 12 첼리스트 (또는 그 이후로 "십이사도"라고 부름)는이 레퍼토리를 전문으로하며 잘 알려진 대중 노래의 편곡을 포함하여 많은 작품을 의뢰했습니다.

대중 음악, 재즈, 세계 음악 및 신고전주의
첼로는 클래식 음악보다 대중 음악에서 덜 일반적입니다. 몇몇 밴드는 잉크 스팟의 Hoppy Jones와 Avett Brothers의 Joe Kwon을 포함하여 표준 라인업에 첼로를 특징으로합니다. 
팝과 록에서 더 일반적으로 사용되는 것은 특정 노래를 위해 악기를 가져 오는 것입니다. 1960년대에 비틀즈와 셔와 같은 아티스트들은 비틀즈의 "어제", "엘레노어 리그비", 
"딸기 필드 포에버", 체어의 "뱅뱅(My Baby Shot Me Down)"과 같은 노래에서 대중 음악에서 첼로를 사용했다. 비치 보이스의 "Good Vibrations"에는 악기 앙상블에 첼로가 포함되어 있으며, 
여기에는 이런 종류의 음악에 특이한 여러 악기가 포함되어 있습니다. 베이스 기타리스트 잭 브루스(Jack Bruce)는 원래 첼로 공연 장학금으로 음악을 공부했으며, 
크림의 바퀴 오브 파이어 스튜디오 앨범(1968)에서 "As You Said"에서 저명한 첼로 역할을 맡았다.

1970년대에 일렉트릭 라이트 오케스트라는 소위 "비틀즈크" 편곡에서 영감을 얻어 표준 록 콤보 라인업에 첼로(및 바이올린)를 추가했으며, 
1978년에는 영국에 기반을 둔 록 밴드 콜로세움 II가 첼리스트 줄리안 로이드 웨버와 함께 녹음 변형에 참여하여 큰 상업적 성공을 거두었습니다. 
특히 핑크 플로이드는 1970년 서사시 악기 '아톰 하트 마더'에 첼로 솔로를 포함시켰다. 베이스의 기타리스트 마이크 러더퍼드(Mike Rutherford)는 
원래 첼리스트였으며 폭스트로트 앨범에 첼로 파트를 포함시켰다.

설립 된 비 전통적인 첼로 그룹에는 Metallica 노래의 버전으로 가장 잘 알려진 핀란드 첼리스트 그룹 인 Apocalyptica, 
고딕 음악과 섞인 복잡한 첼로 스타일에 전념하는 첼리스트 그룹 인 Rasputina, Massive Violins, 록, 팝 및 클래식 히트곡으로 유명한 일곱 명의 노래 첼리스트의 앙상블, 
첼로 (Von Cello), 첼로 (Von Cello), 첼로 (Von Cello), 첼로 (Cello) 앞의 록 파워 트리오, 클래식 음악의 요소와 더 현대적인 록 및 메탈 장르를 혼합한 Reality of Reality, 
오리지널 록/클래식 크로스오버 음악을 연주하는 첼로 록 밴드 첼로 퓨리, 미니애폴리스에 본사를 둔 첼로 듀오 두 명의 타악기 연주자가 있는 젤로슬레이브. 
이 그룹은 첼로 록으로 알려진 스타일의 예입니다. 크로스오버 스트링 쿼텟 결합은 또한 첼리스트를 포함한다. Silenzium과 Cellissimo Quartet은 바위와 금속을 연주하고 
시베리아에서 점점 더 많은 인기를 얻고 있는 러시아 (노보시비르스크) 그룹입니다. 중국 상하이의 콜드 페어릴랜드(Cold Fairyland)는 피파를 따라 첼로를 
주요 솔로 악기로 사용하여 동양과 서양 프로그레시브 (민속) 록을 만납니다.

재즈에서는 베이시스트 오스카 페티포드와 해리 바바신이 첼로를 솔로 악기로 사용한 최초의 인물 중 하나였다. 둘 다 악기를 네 번째, 더블 베이스 위의 옥타브로 조정했습니다. 
프레드 카츠 (베이시스트가 아니 었음)는 악기의 표준 튜닝 및 아르코 기술을 사용한 최초의 주목할만한 재즈 첼리스트 중 한 명이었습니다. 
현대 재즈 첼리스트로는 Abdul Wadud, Diedre Murray, Ron Carter, Dave Holland, David Darling, Lucio Amanti, Akua Dixon, Ernst Reijseger, Fred Lonberg-Holm, Tom Cora 및 
Erik Friedlander가 있습니다. 제이슨 로버트 브라운의 《The Last Five Years》, 던컨 셰이크의 《봄 각성》, 애덤 게텔의 플로이드 콜린스, 
리키 이안 고든의 《앨버틴과 함께하는 나의 삶》과 같은 현대 뮤지컬 극장 작품들은 작은 현악 앙상블(솔로 첼로 포함)을 두드러지게 사용한다.

인도 클래식 음악에서 Saskia Rao-de Haas는 잘 정립 된 솔리스트이며 시타리스트 남편 Pt. Shubhendra Rao와 듀엣을 연주합니다. 
인도 클래식 음악을 연주하는 다른 첼리스트는 Nancy Lesh (Dhrupad)와 Anup Biswas입니다. 라오와 레쉬는 모두 바닥에 다리를 꼬고 앉아 있는 첼로를 연기한다.

첼로는 블루그래스와 민속 음악에도 사용할 수 있으며, 스패로우 콰르텟의 벤 솔리와 "케이준 첼리스트" 숀 그리솜, 그리고 자신의 프로젝트 외에도 
다미엔 라이스의 프로젝트를 위해 연주한 비비엔 롱 등 유명 연주자들과 함께 사용할 수 있습니다. Natalie Haas, Abby Newton, Liz Davis Maxfield와 같은 첼리스트는 
셀틱 민속 음악에서 첼로 연주의 사용에 크게 기여했으며, 종종 첼로가 주요 멜로디 악기로 등장하고 전통적인 바이올린 연주의 기술과 기술을 사용했습니다. 
린지 맥 (Lindsay Mac)은 비틀즈의 "블랙 버드"의 표지와 함께 기타처럼 첼로를 연주하는 것으로 유명해지고 있습니다.

첼로의 주요 부분
첼로는 일반적으로 새겨진 나무로 만들어지지만 탄소 섬유 또는 알루미늄과 같은 다른 재료가 사용될 수 있습니다. 전통적인 첼로는 가문비 나무 꼭대기가 있으며, 
등, 측면 및 목을위한 단풍 나무가 있습니다. 포플러 나 버드 나무와 같은 다른 숲은 때로는 뒤쪽과 측면에 사용됩니다. 덜 비싼 첼로는 종종 라미네이트 된 나무로 만든 상판과 등을 가지고 있습니다. 라미네이트 첼로는 새겨진 나무 첼로보다 훨씬 내구성이 뛰어나고 (즉, 부딪 치거나 떨어 뜨리면 균열이 발생할 가능성이 적기 때문에) 초등 및 중등 학교 오케스트라 및 청소년 오케스트라에서 널리 사용되며 훨씬 저렴합니다.

상단과 뒷면은 전통적으로 손으로 조각되었지만 저렴한 첼로는 종종 기계 생산됩니다. 측면 또는 갈비뼈는 나무를 가열하고 형태 주위에 구부려 만듭니다. 
첼로 몸체는 넓은 상단 시합, 두 개의 C-시합으로 형성된 좁은 중간, 그리고 중간 바로 아래에 다리와 F 구멍이있는 넓은 바닥 시합을 가지고 있습니다. 
첼로의 상단과 뒷면에는 퍼플링으로 알려진 장식용 테두리 상감이 있습니다. 퍼플링은 매력적이지만 기능적이기도합니다 : 악기를 치면 퍼플링이 나무의 균열을 방지 할 수 있습니다. 
악기의 테두리에 균열이 생길 수 있지만 더 이상 퍼지지 않습니다. 퍼플링이 없으면 균열이 위쪽이나 뒤쪽으로 위 또는 아래로 퍼질 수 있습니다. 놀고, 여행하고, 날씨는 모두 첼로에 영향을 미치며 퍼플링이 제자리에 없으면 균열이 생길 수 있습니다. 덜 비싼 악기는 일반적으로 퍼플링을 그렸습니다. [인용 필요]

첼로에있는 손가락 판과 못은 강하고 쉽게 마모되지 않기 때문에 일반적으로 흑단으로 만들어집니다. 

1920 년대 후반과 1930 년대 초에 미국의 알루미늄 회사 (Alcoa)와 독일의 luthier G.A. Pfretzschner는 알려지지 않은 수의 알루미늄 첼로 
(알루미늄 더블 베이스와 바이올린 외에)를 생산했습니다. [18] 첼로 제조업체 Luis & Clark는 탄소 섬유로 첼로를 제작합니다. 
탄소 섬유 악기는 재료의 강도와 습도 및 온도 변동에 대한 내성 때문에 야외 연주에 특히 적합합니다. Luis & Clark는 1000개 이상의 첼로를 생산했으며, 
그 중 일부는 Yo-Yo Ma[19] 및 Josephine van Lier와 같은 첼리스트가 소유하고 있습니다. 

목, 핑거보드, 페그박스, 스크롤
본체 위에는 새겨진 목이 있습니다. 목은 아래쪽에 구부러진 횡단면이 있으며, 이는 연주하는 동안 플레이어의 엄지 손가락이 목을 따라 달리는 곳입니다. 
목은 페그 박스와 두루마리로 이어지며, 일반적으로 단일 나무 조각, 보통 단풍 나무로 새겨 져 있습니다. 핑거 보드는 목에 붙어 악기의 몸체 위로 뻗어 있습니다. 
핑거 보드에는 다리의 곡선과 일치하는 곡선 모양이 주어집니다. 손가락 보드와 다리 모두 연주자가 개별 문자열을 숙일 수 있도록 구부러져 있어야합니다. 
첼로가 일반적인 기타와 마찬가지로 평평한 핑거 보드와 다리를 가지고 있다면, 연주자는 가장 왼쪽과 가장 오른쪽 두 개의 현을 굽히거나 모든 현을 숙일 수 있습니다. 
연주자는 내면의 두 현을 혼자 연주 할 수 없습니다.

너트는 손가락 보드가 페그 박스와 만나는 곳에 장착 된 제기 된 나무 조각으로, 문자열이 얕은 슬롯이나 홈에 놓여 올바른 거리를 유지합니다. 
페그박스에는 각 스트링마다 하나씩 네 개의 테이퍼드 튜닝 페그가 있습니다. 못은 끈을 조이거나 풀어서 첼로를 튜닝하는 데 사용됩니다. 
못은 마찰에 의해 위치를 유지하기 때문에 "마찰 못"이라고합니다. 두루마리는 첼로의 전통적인 장식 부분이며 바이올린 가족의 다른 모든 구성원의 특징입니다. 
Ebony는 일반적으로 튜닝 못, 핑거 보드 및 너트에 사용되지만 회양목 또는 로즈 우드와 같은 다른 활엽수를 사용할 수 있습니다. 
저가 악기의 검은 색 피팅은 종종 흑단처럼 보이기 위해 검게 변하거나 "흑단화"된 저렴한 목재로 만들어지며, 이는 훨씬 더 어렵고 비쌉니다. 
튜닝 못과 같은 뼈가 달린 부분은 균열되거나 갈라질 수 있으며, 손가락 보드의 검은 표면은 결국 마모되어 더 가벼운 목재를 드러냅니다.


역사적으로, 첼로 끈은 캣거트로 만든 코어를 가지고 있었는데, 그 이름에도 불구하고 양이나 염소 창자로 만들어졌습니다. 
2010 년대에 사용 된 대부분의 현대 현은 알루미늄, 티타늄 및 크롬과 같은 금속 재료로 감겨 있습니다. 첼리스트는 악기에 다양한 유형의 현을 혼합 할 수 있습니다. 
열린 문자열의 피치는 C, G, D 및 A (위의 연주 범위 그림의 검은 색 메모 헤드)이며, 대체 튜닝 (scordatura)이 작곡가에 의해 지정되지 않는 한. 일부 작곡가
 (예 : '로마의 소나무'의 마지막 움직임에서 Ottorino Respighi)는 연주자가 가장 낮은 열린 문자열에서 다른 낮은 음표를 연주 할 수 있도록 낮은 C를 B 플랫으로 조정하도록 요청합니다.

테일피스와 엔드핀
꼬리 조각과 끝핀은 첼로의 아래 부분에서 발견됩니다. 꼬리 조각은 현의 "공 끝"이 구멍을 통과하여 부착되는 첼로의 일부입니다. 
꼬리 조각은 첼로의 바닥에 부착됩니다. 꼬리 조각은 전통적으로 흑단 또는 다른 경재로 만들어졌지만 저가 기기에서 플라스틱 또는 강철로 만들 수도 있습니다. 
그것은 첼로의 하단에 문자열을 부착하고 하나 이상의 미세 튜너를 가질 수 있습니다. 미세 튜너는 스트링의 피치를 더 작게 조정하는 데 사용됩니다. 
미세 튜너는 각 스트링의 장력을 높이거나 (피치를 높이거나) 스트링의 장력을 감소시킬 수 있습니다 (피치를 낮춤). 연주자가 새 문자열을 넣을 때, 
해당 문자열의 미세 튜너는 일반적으로 중간 위치로 재설정 된 다음 페그를 돌려 문자열을 피치로 가져옵니다. 
미세 터너는 첼로를 오보에의 440Hz A 음에 맞추거나 첼로를 피아노로 튜닝하는 것과 같이 피치에 대한 미묘하고 사소한 조정에 사용됩니다.

엔드핀 또는 스파이크는 목재, 금속 또는 경질 탄소 섬유로 만들어졌으며 연주 위치에서 첼로를 지지합니다. 
엔드핀은 첼로가 케이스에 운반 될 때 악기의 중공 몸체로 수축 될 수 있습니다. 
이렇게하면 첼로가 쉽게 움직일 수 있습니다. 연주자가 첼로를 연주하기를 원할 때, 엔드 핀을 뽑아 길게합니다. 
엔드핀은 나사 메커니즘으로 플레이어가 선호하는 길이로 고정됩니다. 엔드핀의 조정 가능한 특성으로 인해 다양한 연령과 신체 크기의 연주자가 
엔드핀 길이를 조정하여 이에 맞게 조정할 수 있습니다. 바로크 시대에는 첼로가 송아지 사이에 잡혀 있었는데, 그 당시에는 엔드 핀이 없었기 때문입니다. 
엔드핀은 "Adrien Servais c. 1845에 의해 악기에 더 큰 안정성을 제공하기 위해 도입되었습니다". [21] 현대 엔드핀은 개폐식 및 조정 가능합니다. 
오래된 것들은 사용하지 않을 때 제거되었습니다. ("endpin"이라는 단어는 때때로 바이올린 가족의 모든 악기에서이 장소에 위치한 나무 버튼을 의미하지만, 
이것은 일반적으로 "테일 핀"이라고합니다. [22]) 첼로의 끝핀의 날카로운 끝은 때때로 팁이 둔해지는 것을 방지하고 첼로가 바닥에 미끄러지는 것을 방지하는 고무 팁으로 덮여 있습니다. 
많은 첼리스트들은 팁이 바닥에 미끄러지지 않도록 금속 컵이있는 고무 패드를 사용합니다. 엔드 핀이 미끄러지지 않도록하는 여러 가지 액세서리; 여기에는 의자 다리 및 기타 장치에 부착되는 로프가 포함됩니다.

다리와 f-홀

음소거가있는 첼로의 다리 (음소거가 사용되지 않음)
다리는 첼로 위의 현을 잡고 진동을 악기 상단과 내부의 사운드 포스트로 전달합니다 (아래 참조). 다리는 붙어 있지 않고 오히려 끈의 긴장에 의해 제자리에 고정되어 있습니다. 
브리지는 일반적으로 "f-hole"의 교차점에 의해 위치된다(즉, 수평선이 "f"에서 발생하는 곳). 모양으로 명명 된 f 홀은 다리의 양쪽에 위치하고 있으며 
음향 제작 과정의 일환으로 공기가 악기 안팎으로 이동할 수 있도록합니다. 그들은 아마도 실제로 사운드와 관련된 단어에 대한 구식 중간 S를 의미합니다. 
 F 홀은 또한 수리 또는 유지 보수를 위해 첼로 내부의 액세스 포인트 역할을합니다. 때로는 댐핏 (Dampit)이라고 불리는 물에 젖은 스폰지가 들어있는 작은 길이의 
고무 호스가 F 구멍을 통해 삽입되어 가습기 역할을합니다. 이것은 첼로의 목재 구성 요소가 건조하지 않도록합니다.

내부 기능
내부적으로 첼로는 두 가지 중요한 특징을 가지고 있습니다 : 악기 상단의 아래쪽에 붙어있는베이스 바와 둥근 나무 사운드 포스트, 
상단과 하단 플레이트 사이에 쐐기가있는 단단한 나무 실린더. 다리의 저음 발 아래에서 발견되는 베이스 바는 첼로의 상단을지지하고 현에서 악기의 몸체로 진동을 분배하는 역할을합니다. 
다리의 고음 측면 아래에있는 사운드 포스트는 첼로의 뒷면과 앞면을 연결합니다. 다리와 마찬가지로 사운드 포스트는 붙어 있지 않지만 다리와 현의 긴장에 의해 제자리에 유지됩니다. 
베이스 바와 사운드 포스트는 함께 현의 진동을 악기의 상단(전면)(그리고 뒤쪽의 정도는 덜)으로 전달하여 악기의 사운드를 생성하는 다이어프램 역할을 합니다.

첼로는 강하지만 가역적 인 숨기기 접착제를 사용하여 제작되고 수리되므로 필요할 때 분해 할 수 있습니다. 
일부 수리는 상단의 제거를 요구하기 때문에 상단을 희석 된 접착제로 접착 할 수 있습니다. 이론적으로 숨기기 접착제는 신체의 나무보다 약하기 때문에 
상단 또는 뒷면이 좌우로 줄어들면 접착제가 사라지고 판이 깨지지 않습니다. 첼로에서 균열을 수리하는 첼리스트는 루티어가 수리해야 할 때 찐 찐 수 없기 때문에
 일반 나무 접착제를 사용하지 않습니다.

로 프렌치 활[23] 술 폰티첼로
전통적으로 활은 pernambuco 또는 브라질 나무로 만들어집니다. 둘 다 같은 종류의 나무 (Caesalpinia echinata)에서 왔지만 고품질 활에 사용되는
 Pernambuco는 나무의 심장 나무이며 브라질 나무 (때로는 보상하기 위해 염색 됨)보다 색상이 더 짙습니다. Pernambuco는 신축성이 뛰어난 무겁고 
수지가 많은 목재로 악기 활에 이상적인 목재입니다. 말머리는 활의 두 끝 사이에 뻗어 있습니다. 타우트 말머리는 현 위에 그려지며, 다리와 대략 평행하게 
유지되고 현에 수직으로 유지되어 소리를 낸다. 작은 손잡이는 말머리의 긴장을 높이거나 줄이기 위해 꼬여 있습니다. 활의 장력은 악기를 사용하지 않을 때 해제됩니다. 첼리스트가 활 머리에 가하는 긴장의 양은 플레이어의 선호도, 연주되는 음악 스타일, 학생들의 경우 교사의 선호도에 달려 있습니다.

활은 또한 목재보다 강한 탄소 섬유와 유리 섬유 (종종 저렴하고 품질이 낮은 학생 활을 만드는 데 사용됨)와 같은 다른 재료로 만들어집니다. 
평균 첼로 활은 길이 73cm (29 in) (바이올린 또는 비올라 활보다 짧음) 높이 3cm (1.2 in) (개구리에서 막대기까지) 및 1.5cm (0.59 in) 너비입니다. 
첼로 활의 개구리는 일반적으로 비올라 활과 같은 둥근 모서리를 가지고 있지만 더 넓습니다. 첼로 활은 비올라 활보다 약 10g (0.35oz) 무겁고, 바이올린 활보다 약 10g (0.35oz) 더 무겁습니다.

활 머리는 전통적으로 말머리이지만 합성 머리카락은 다양한 색상으로 사용됩니다. 연주하기 전에 뮤지션은 개구리 (손 아래 활의 일부)를 
뒤로 당기고 머리카락의 긴장을 높이기 위해 나사를 돌려 활을 조입니다. 로진은 플레이어가 머리카락을 끈적 거리게하기 위해 적용합니다. 
활은 주기적으로 다시 머리를 만들어야합니다. 바로크 스타일 (1600-1750) 첼로 활은 현대 첼로 활과 비교할 때 훨씬 두껍고 더 큰 바깥 쪽 아치로 형성되었습니다. 
현대 첼로 활의 안쪽 아치는 더 큰 긴장감을 만들어 내며, 이는 차례로 더 큰 소리를냅니다.

첼로 활은 일렉트릭 기타를 연주하는 데에도 사용되었습니다. Jimmy Page는 "Dazed and Confused"와 같은 트랙에서 응용 프로그램을 개척했습니다. 
포스트 록 아이슬란드 밴드 Sigur Rós의 리드 싱어는 종종 첼로 활을 사용하여 기타를 연주합니다.

1989년, 독일의 첼리스트 마이클 바흐는 존 케이지, 디이터 슈네벨, 미스티슬라프 로스트로포비치, 루이지 콜라니의 격려를 받아 곡선 활을 개발하기 시작했으며, 
그 이후로 많은 작품들이 특별히 작곡되었다. 이 구부러진 활 (BACH. Bow)는 볼록한 곡선 활로, 일반 활과 달리 악기의 다양한 현에서 가능한 다발성 연주를 렌더링합니다. 
바이올린과 첼로를위한 솔로 레퍼토리 J. S. 바흐 바흐. Bow는 특히 그것에 적합합니다 : 그리고 이것을 염두에두고 개발되었으며, 모노 포닉 연주뿐만 아니라 폴리 포닉 연주가 필요합니다.


마이클 바흐, 첼로와 바흐. 활
끈을 숙이거나 뽑으면 진동하고 그 주위의 공기를 움직여 음파를 생성합니다. 끈이 매우 얇기 때문에 끈 자체에 의해 많은 공기가 움직이지 않으므로 
문자열이 중공 몸체에 장착되지 않으면 소리가 약해집니다. 첼로와 같은 어쿠스틱 스트링 악기에서, 이러한 부피 부족은 진동 스트링을 더 큰 중공 
나무 몸체에 장착하여 해결됩니다. 진동은 더 큰 몸으로 전달되어 더 많은 공기를 움직이고 더 큰 소리를 낼 수 있습니다. 악기의 다른 디자인은 
악기의 진동 패턴에 변화를 일으켜 생성 된 사운드의 특성을 변화시킵니다. [24] 스트링의 기본 피치는 장력과 길이에 따라 강성을 변경하여 조정할 수 있습니다. 
끈을 조이면 길이에 따라 바깥쪽 힘과 왜곡 중에 경험하는 그물 힘이 모두 증가하여 끈이 굳어집니다. [25] 첼로는 페그박스에 장착된 튜닝 페그와 테일피스의 텐션 조절기(미세 튜너)를 돌려 스트링의 장력을 조절하여 튜닝할 수 있습니다.

스트링의 길이는 기본 피치에도 영향을 미칩니다. 스트링을 짧게 하면 왜곡 중에 곡률을 증가시키고 더 큰 순력에 종속되어 스트링이 굳어집니다. 
스트링을 줄이면 질량도 줄어들지 만 단위 길이 당 질량은 변경되지 않으며 주파수를 제어하는 총 질량이 아닌 후자의 비율입니다. 
스트링은 전파 속도가 √T/m에 의해 주어지는 서있는 파동에서 진동하며, 여기서 T는 장력이고 m은 단위 길이당 질량이다. 진동 길이의 양쪽 끝에 노드가 있고, 따라서 진동 길이 l은 반 파장이다. 모든 파동의 주파수는 파장으로 나눈 속도와 같기 때문에 주파수 = 

첼로에 아르페기화 된 D 코드의 스펙트로그램. 같은 수준의 노란색 밴드는 다른 음표의 숙임에 흥분한 동일한 고조파를 나타냅니다. 왼쪽에서 오른쪽으로 연주되는 음표: D–F–A–F-D♯♯.
E 또는 F-sharp의 연주 음표는 종종 악기 몸체의 자연 공명 주파수에 매우 가까운 주파수를 가지며, 문제가 해결되지 않으면 신체를 거의 공명으로 설정할 수 있습니다. 
이것은이 피치의 불쾌한 갑작스런 증폭을 일으킬 수 있으며, 또한 큰 박동 소리는 이러한 근처의 주파수 사이에서 발생하는 간섭으로 인해 발생합니다. 
이것은 불쾌한 으르렁 거리는 소리이기 때문에 "늑대 톤"으로 알려져 있습니다. 나무 공명은 소리 나는 끈의 원동력에 의해 두 개의 주파수로 나뉘어지는 것처럼 보입니다. 
이 두 주기적인 공명은 서로 부딪칩니다. 이 늑대 음색은 첼로가 즐거운 음색으로 근처의 음표를 연주하기 위해 제거되거나 크게 감소되어야합니다. 
이것은 첼로 전면 플레이트를 수정하거나, 늑대 제거기 (금속 실린더 또는 금속으로 둘러싸인 고무 실린더)를 부착하거나, 사운드 포스트를 이동하여 수행 할 수 있습니다. 
현을 숙이거나 뽑아서 음표를 만들 때, 기본 음표에는 더 높은 빈도의 오버톤이 수반됩니다. 각 소리에는 전체 사운드를 만들기 위해 결합되는 주파수의 특정 레시피가 있습니다.


첼리스트
첼로 연주는 엔드 핀으로 바닥에지지되는 악기와 함께 앉아있는 동안 수행됩니다. 오른손은 현을 숙이고 (때로는 뽑는다) 음표를 울립니다. 
왼쪽 손가락 끝은 길이에 따라 문자열을 멈추고 각 손가락 음표의 피치를 결정합니다. 스트링을 브리지에 더 가깝게 멈추면 진동하는 
스트링 길이가 짧아졌기 때문에 더 높은 음조의 사운드가 발생합니다. 반대로, 튜닝 못에 더 가깝게 멈춘 끈은 더 낮은 소리를 낸다. 
목 위치 (악기 상단에 가장 가까운 손가락 보드의 절반 미만을 사용함)에서 엄지 손가락은 목 뒤쪽에 있습니다. 엄지 손가락 위치 
(손가락 보드의 나머지 부분에 대한 메모의 일반적인 이름)에서 엄지 손가락은 일반적으로 문자열의 손가락과 나란히 있습니다. 
그런 다음 엄지 손가락의 측면을 사용하여 메모를 재생합니다. 손가락은 일반적으로 각 너클이 구부러진 상태에서 구부러져 있으며 손가락 끝이 현과 접촉합니다. 
완벽한 다섯 번째 (더블 스톱 또는 코드)를 재생하기 위해 한 번에 두 개 이상의 문자열에 손가락이 필요한 경우 평평하게 사용됩니다. 
접촉점은 손톱에서 손가락 패드로 약간 멀어지면서 느리거나 표현력이 뛰어난 연주를 할 수 있어 더욱 풍부한 비브라토를 구현할 수 있습니다.

Vibrato는 일반적으로 표현 기술로 간주되는 음표의 피치에서 작은 진동입니다. 음이 브리지를 향해 가까울수록 효과를 생성하는 데 필요한 진동이 작아집니다. 
첼로에서 연주되는 고조파는 두 가지 클래스로 나뉩니다. 자연스럽고 인위적입니다. 자연 고조파는 특정 장소에서 끈을 가볍게 만진 (그러나 우울하게하지는 않음) 
끈을 숙인 다음 (또는 드물게 뽑기) 함으로써 생성됩니다. 예를 들어, 문자열의 중간 지점은 손가락이 없는(열린) 문자열 위에 하나의 옥타브 인 고조파를 생성합니다. 
자연 고조파는 특정 문자열에서 고조파 계열의 일부인 음표만 생성합니다. 플레이어가 다른 손가락으로 같은 끈을 가볍게 만지면서 한 손가락으로 
끈을 완전히 누르는 인공 고조파 (거짓 고조파 또는 정지 고조파라고도 함)는 중간 C. Glissando (이탈리아어로 "슬라이딩")보다 높은 음표를 생성 할 수 있습니다 
끈을 놓지 않고 손가락을 손가락 보드의 위 또는 아래로 밀어 넣음으로써 얻을 수있는 효과입니다. 이로 인해 피치가 별도의 식별 가능한 단계 없이 부드럽게 상승 및 하강합니다.

첼로 연주에서 활은 관악기 연주자의 호흡과 매우 흡사합니다. 아마도, 그것은 연주의 표현력의 주요 요소입니다. 오른손은 활을 잡고 음표의 지속 시간과 성격을 제어합니다. 
일반적으로, 활은 현에 수직인 방향으로 손가락 판과 다리 끝 사이의 대략 중간쯤에 현을 가로 질러 그려진다. 그러나 플레이어는 원하는 소리에 따라 
활의 접촉 지점을 더 높거나 낮게 움직일 수 있습니다. 활은 오른손의 다섯 손가락 모두로 잡고 조작하며, 엄지 손가락은 손가락 반대편에 있고 첼리스트의 몸에 더 가깝습니다. 
음색 생성과 소리의 양은 몇 가지 요인의 조합에 따라 달라집니다. 네 가지 가장 중요한 것은 현에 가해지는 무게, 현의 활의 각도, 활 속도, 활 머리와 현의 접촉 지점 (때로는 약칭 WASP)입니다.

더블 스톱은 두 개의 노트를 동시에 재생하는 것을 포함합니다. 두 개의 현이 한 번에 손가락으로 손가락으로 잡히고 활이 그려져 둘 다 들립니다. 
종종 피자 카토 연주에서 현은 오른손의 손가락이나 엄지 손가락으로 직접 뽑습니다. 그러나 현은 특정 고급 조각에서 왼손의 손가락으로 뽑힐 수 있습니다.
이 경우 첼리스트가 피자 카토 노트와 함께 다른 문자열에서 숙인 노트를 연주 할 수 있거나 조각의 속도로 인해 플레이어가 오른손으로 뽑을 수있는 
충분한 시간을 허용하지 않기 때문입니다. 음악 표기법에서 피자카토는 종종 "피즈"로 약칭됩니다. 피자 카토에서 손의 위치는 일반적으로 손가락 판 위에 약간 있고 
다리에서 멀리 떨어져 있습니다.

콜 레그노 기술을 사용하는 플레이어는 머리카락이 아닌 활의 나무로 현을 치거나 문지릅니다. 스피카토 연주에서 활은 여전히 현의 수평 동작으로 
움직이지만 튕겨 나올 수 있으므로 더 가볍고 다소 타악기 소리를 낼 수 있습니다. staccato에서 플레이어는 활을 작은 거리로 움직여 현에 멈추게하여 
짧은 소리를 내고 나머지 서면 지속 시간은 침묵에 의해 채택됩니다. 레가토는 노트가 끊김없이 부드럽게 연결되는 기술입니다. 그것은 위 또는 아래의 슬러 (곡선)로 표시됩니다 - 


Sul ponticello ( "다리 위에")는 다리에 더 가까이 (또는 거의 위에) 절하는 것을 말하며, sul tasto ( "손가락 판에")는 손가락 판의 끝에 
더 가까이 (또는 그 위에) 절하는 것을 요구합니다. 극단적으로, sul ponticello는 오버 톤과 높은 고조파에 중점을 둔 거칠고 날카로운 사운드를 생성합니다. 
대조적으로, sul tasto는 음표의 기본 주파수를 강조하고 부드러운 오버톤을 생성하는 더 플룻 같은 사운드를 생성합니다. 
작곡가들은 특히 오케스트라 환경에서 특별한 소리와 효과를 위해 두 가지 기술을 모두 사용했습니다.

사이즈

풀 사이즈 첼로가있는 1⁄8 사이즈 첼로
표준 크기의 첼로는 "전체 크기" 또는 "4⁄4"라고 불리지만 7⁄8, 3⁄4, 1⁄2, 1⁄4, 1⁄8, 1⁄10 및 1⁄16을 포함한 더 작은(분수) 크기로도 만들어집니다. . 
분수는 길이가 아닌 부피를 의미하므로 1/2 크기의 첼로는 전체 크기의 절반 길이보다 훨씬 길다. 더 작은 첼로는 건설, 범위 및 사용에서 표준 첼로와 동일하지만 
어린이와 짧은 성인의 이익을 위해 단순히 축소됩니다.
4⁄4보다 큰 크기의 첼로가 존재하며, 비정상적으로 큰 손을 가진 첼리스트는 그러한 비표준 악기가 필요할 수 있습니다. 
약 1700 년 이전에 만들어진 첼로는 오늘날 만들어지고 일반적으로 연주되는 것보다 상당히 큰 경향이있었습니다. 
1680년경, 스트링 메이킹 기술의 변화로 인해 짧은 현악기에서 낮은 음조의 음표를 연주할 수 있게 되었습니다. 
예를 들어, Stradivari의 첼로는 두 가지 모델로 명확하게 나눌 수 있습니다 : 1702 년 이전에 만들어진 스타일은 
더 큰 악기 (원래 크기와 구성에는 세 개만 존재함)와 Stradivari가 더 작은 첼로를 만들기 시작한 1707 년 동안과 그 이후에 만들어진 스타일입니다. 
이 후기 모델은 현대 루티어가 가장 일반적으로 사용하는 디자인입니다. 4⁄4 첼로의 스케일 길이는 약 70cm (271⁄2+ 에서). 
새로운 크기는 더 완전한 색조 투영과 더 넓은 범위의 표현을 제공했습니다. 이 형태의 악기는 음악적으로 더 많은 작품에 기여할 수 있었고 
플레이어가 기술을 개발할 수있는 더 큰 육체적 인 손재주를 제공했습니다.

4⁄4 사이즈 첼로의 대략적인 치수[30] 평균 크기
A 페그에서 C 페그 끝까지 수평으로 대략적인 너비 16.0 센티미터 (6.3 인치)
목이 조인되는 반라운드를 제외한 뒤쪽 길이 75.4 센티미터 (29.7 인치)
상한 시합 (어깨) 34.0 센티미터 (13.4 인치)
낮은 시합 (엉덩이) 43.9 센티미터 (17.3 인치)
교량 높이 8.9 센티미터 (3.5 인치)
앞뒤의 가장자리를 포함한 어깨의 갈비뼈 깊이 12.4 센티미터 (4.9 인치)
가장자리를 포함한 엉덩이의 갈비뼈 깊이 12.7 센티미터 (5.0 인치)
손가락 판 아래 목에 배꼽 표면까지의 거리 2.3 센티미터 (0.9 인치)
전체 깊이를 뒤로 연결하는 다리 26.7 센티미터 (10.5 인치)
엔드 핀을 제외한 전체 높이 120.9 센티미터 (47.6 인치)
엔드 핀 유닛 및 스파이크 5.6 센티미터 (2.2 인치)
부속품

로진은 활 머리에 적용되어 현에 활의 마찰을 증가시킵니다.

황동 늑대 톤 제거기는 일반적으로 다리와 꼬리 조각 사이의 첼로의 G 문자열 (왼쪽에서 두 번째 문자열)에 배치됩니다. (D 스트링의 검은 고무 조각(왼쪽에서 세 번째)은 음소거입니다.)
첼로를위한 많은 액세서리가 있습니다.

케이스는 첼로와 활 (또는 여러 활)을 보호하는 데 사용됩니다.
침엽수로 두드리는 수지로 만든 Rosin은 마찰, 그립 또는 물기의 효과를 높이고 적절한 사운드 생성을 위해 활 머리에 적용됩니다. 
로진은 밀랍, 금, 은 또는 주석과 같은 마찰을 변형시키는 첨가제를 가질 수 있습니다. 일반적으로 로진은 색을 나타내는 어두운 색 또는 밝은 것으로 분류됩니다.
엔드핀 스톱 또는 스트랩(상표명 Rock stop 및 Black Hole을 포함)은 엔드핀에 끝에 고무 조각이 없거나 바닥이 특히 미끄러운 경우 첼로가 미끄러지지 않도록 합니다.
늑대 톤 제거기는 꼬리 조각과 다리 사이의 첼로 스트링에 배치되어 늑대 톤 또는 "늑대"로 알려진 음향 이상을 제거합니다.
음소거는 다리에 질량과 강성을 추가하여 첼로의 소리를 바꾸는 데 사용됩니다. 그들은 오버 톤 구조를 변경하여 음색을 수정하고 악기에서 생성 된 사운드의 전체 볼륨을 줄입니다.
메트로놈은 분당 특정 수의 비트를 울려 꾸준한 템포를 제공합니다. 이 도구는 종종 음악가에게 리듬감을 심어주는 데 사용됩니다. 
그것은 리드미컬 한 안정성을위한 거울 역할을하여 음악가가 템포를 서두르거나 드래그하는 곳을 분석 할 수있게합니다.
테일 피스에 위치한 미세 튜너는 첼로를 쉽고 정확하게 조정할 수 있습니다.
첼로는 기타에서 바이올린에 이르기까지 현악기를 만들고 수리하는 전문가인 루티어가 만듭니다. 다음 루티어는 그들이 생산 한 첼로에 주목할 만합니다.

Nicolò Amati와 Amati 
니콜로 갈리아노
마테오 고프릴러
조반니 바티스타 과다그니니
안드레아 과르네리
피에트로 과르네리
찰스 메네간드
도메니코 몬타가나
조반니 바티스타 로제리
프란체스코 루기에리
스테파노 스카람펠라
안토니오 스트라디바리
데이비드 테크클러
카를로 주세페 테스토어
장 밥티스트 부일라우메
첼리스트

Servais Stradivarius는 스미소니언 연구소의 국립 미국 역사 박물관에 보존되어 있습니다.
특정 악기는 여러 가지 이유로 유명하거나 유명해집니다. 악기의 주목도는 그 나이, 제작자의 명성, 물리적 외관, 
음향 특성 및 주목할만한 연주자의 사용으로 인해 발생할 수 있습니다. 가장 유명한 악기는 일반적으로이 모든 것으로 유명합니다. 
가장 높이 평가받는 악기는 이제 수집가의 아이템이며 대부분의 뮤지션의 손이 닿지 않는 곳에 가격이 책정됩니다. 
이러한 상품은 일반적으로 어떤 종류의 조직 또는 투자 그룹이 소유하고 있으며, 이는 주목할만한 공연자에게 악기를 대출 할 수 있습니다. 
(예를 들어, 현재 가장 널리 알려진 살아있는 첼리스트 중 하나 인 Yo-Yo Ma가 소유하고있는 Davidov Stradivarius는 실제로 Vuitton Foundation이 소유하고 있습니다.
몇 가지 주목할만한 첼로 :

안드레아 아마티 (Andrea Amati)의 "왕"은 1538 년에서 1560 년 사이에 지어진 가장 오래된 첼로 중 하나이며 사우스 다코타의 국립 음악 박물관 컬렉션에 있습니다.
Servais Stradivarius는 워싱턴 DC의 Smithsonian Institution의 컬렉션에 있습니다.
Batta-Piatigorsky Stradivarius, Gregor Piatigorsky가 연기했습니다.
Davidov Stradivarius는 Jacqueline du Pré가 연기했으며 현재 Yo-Yo Ma가 연기합니다.
Barjansky Stradivarius, Julian Lloyd Webber가 연기했습니다.
Bonjour Stradivarius, so Bae가 연주했습니다.
Paganini-Ladenburg Stradivarius는 도쿄 현악 사중주의 Clive Greensmith가 연주했습니다.
Duport Stradivarius, 이전에 Mstislav Rostropovich가 연주했습니다.
피아티 스트라디바리우스, 1720년, 카를로스 프리에토가 연기
브람스 
첼로
바이올린과 첼로를위한 더블 협주곡
전기 첼로
첼로와 오케스트라를위한 작곡 목록
첼로 및 장기에 대한 작곡 목록
첼로와 피아노를위한 작곡 목록
솔로 첼로 작품 목록
엘리자베스 여왕 공모전 § 첼로
현악기 레퍼토리
바이올린, 첼로, 피아노를 위한 트리플 협주곡
Ütőgardon, 첼로와 건축에서 비슷한 타악기 헝가리 민속 악기

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