바이올린은 바이올린으로 알려져 있으며 바이올린 가족의 나무 코도폰 (현악기)입니다. 대부분의 바이올린은 속이 빈 나무 몸체를 가지고 있습니다. 그것은 정기적으로 사용되는 가족에서 가장 작고 따라서 가장 높은 피치 악기 (소프라노)입니다. [a] 바이올린은 일반적으로 4 개의 현을 가지고 있으며, (일부는 5 개를 가질 수 있음), 일반적으로 G3, D4, A4, E5 음표로 완벽한 다섯 번째 문자열로 조정되며 가장 일반적으로 현을 가로 질러 활을 그려서 연주됩니다. 또한 손가락 (pizzicato)으로 현을 뽑고 특수한 경우 활의 나무 측면 (col legno)으로 현을 치면서 연주 할 수 있습니다.
바이올린은 다양한 음악 장르에서 중요한 악기입니다. 그들은 서양 고전 전통에서 앙상블 (실내악에서 오케스트라까지)과 솔로 악기로 가장 두드러집니다. 바이올린은 컨트리 음악, 블루그래스 음악, 재즈 등 다양한 종류의 민속 음악에서도 중요합니다. 단단한 몸체와 압전 픽업을 갖춘 전기 바이올린은 록 음악과 재즈 융합의 일부 형태로 사용되며 픽업은 악기 앰프와 스피커에 연결되어 사운드를 생성합니다. 바이올린은 인도 음악과 이란 음악을 포함한 많은 비서구 음악 문화에 통합되었습니다. 바이올린이라는 이름은 연주되는 음악의 유형에 관계없이 자주 사용됩니다.
바이올린은 16 세기 이탈리아에서 처음 알려졌으며 18 세기와 19 세기에 악기를보다 강력한 사운드와 투영을 제공하기 위해 몇 가지 추가 수정이 이루어졌습니다. 유럽에서는 비올라와 같은 서양 클래식 음악에 사용되는 다른 현악기 개발의 기초가되었습니다. [1][2][3]
바이올리니스트와 수집가들은 특히 16세기부터 18세기까지 브레시아와 크레모나(이탈리아)에서 스트라디바리, 과르네리, 과다그니니, 아마티 가문이 만든 훌륭한 역사적 악기와 오스트리아의 제이콥 스테인더가 만든 훌륭한 역사적 악기를 높이 평가한다. 그들의 명성에 따르면, 그들의 소리의 질은 그것을 설명하거나 동등하게하려는 시도를 무시했지만,이 믿음은 논쟁의 여지가 있습니다. [4][5] 많은 수의 악기가 덜 유명한 제작자의 손에서 나왔을 뿐만 아니라 작센, 보헤미아, 미레코트와 같은 장소의 오두막 산업에서 나오는 대량 생산 상업 "무역 바이올린"의 수가 훨씬 더 많습니다. 이러한 무역 상품의 대부분은 이전에 Sears, Roebuck and Co. 및 기타 대량 판매업자에 의해 판매되었습니다.
바이올린의 구성 요소는 일반적으로 다른 종류의 나무로 만들어집니다. 바이올린은 장, 펄론 또는 다른 합성 또는 강철 끈으로 묶일 수 있습니다. 바이올린을 만들거나 수리하는 사람을 루티어 또는 바이올린 제작자라고 부릅니다. 활을 만들거나 수리하는 사람을 궁수 또는 활 제작자라고합니다.

피치 범위
메조 바이올린
왼손 및 피치 제작
더블 스톱, 트리플 스톱, 코드 및 드론
비브라토
비브라토 트릴
고조파
오른손과 톤 색상
보잉 기술
피치카토
콜 레그노
마르텔레
트레몰로
음소거 또는 소르디노
클래식
민속 음악과 바이올린
전기 바이올린
바이올린 인증


어원학
"바이올린"이라는 단어는 1570년대에 영어로 처음 사용되었다.[6] "바이올린"이라는 단어는 "이탈리아 바이올리노, 비올라의 축소"에서 유래했다. "비올라"라는 용어는 1797 년 "테너 바이올린"에 대한 표현에서 비롯된 것으로, 중세 라틴어 비툴라에서 유래 한 이탈리아어와 올드 프로방스 비올라 (Old Provençal viola)에서 유래 한 용어로, 아마도 로마의 기쁨의 여신 인 비툴라 (Vitula)에서 온 "현악기"를 의미하는 용어로 ..."기쁨이나 승영으로 부르짖다"는 라틴어 동사 vitulari에서 유래했습니다. [7] "베이스 바이올"(1724)을 의미하는 관련 용어 "비올라 다 감바"는 이탈리아어에서 유래되었으며, 문자 그대로 "다리를위한 비올라"(즉, 다리 사이를 잡는

바이올린은 종종 민속 음악 맥락에서 사용될 때, 또는 클래식 음악 장면에서 악기의 비공식적 인 별명으로 사용될 때 바이올린이라고 불립니다. [8] "바이올린"이라는 단어는 14 세기 후반에 영어로 처음 사용되었습니다. [8] "바이올린"이라는 단어는 올드 노르스 피엘라, 중부 네덜란드 베델, 올드 하이 독일어 피둘라, 독일어 피델, "바이올린"과 관련된 오래된 영어 fiðele "바이올린"에서 유래 한 "fedele, fydyll, fidel, earlier fithele"에서 유래했습니다. 단어 "바이올린"의 기원에 관해서는, "... 소리와 감각의 유사성에 기초한 일반적인 제안은 중세 라틴어 vitula에서 나온 것입니다. " 

역사
주요 기사: 바이올린의 역사

이탈리아 사론노에 있는 마돈나 데이 미라콜리의 큐폴라는 천사들이 바이올린, 비올라, 첼로를 연주하는 가운데 1535년부터 시작되었으며 바이올린 가문의 가장 초기의 묘사 중 하나이다.
가장 초기의 현악기는 대부분 뽑혔다 (예를 들어, 그리스 가사). 똑바로 연주하고 말머리로 숙인 두 줄의 활 악기는 중앙 아시아의 유목민 승마 문화에서 유래했을 수 있으며, 현대 몽골 모린 후르와 카자흐스탄 코비즈와 매우 흡사한 형태입니다. 유사하고 변형적인 유형은 아마도 아시아에서 중동으로, 그리고 비잔틴 제국에 이르는 동서 무역로를 따라 전파되었을 것이다. 모든 유럽 활 악기의 직접적인 조상은 아랍 레밥 (ربابة)이며, 9 세기와 나중에 유럽 공화국에 의해 비잔틴 리라로 발전했습니다. 바이올린의 첫 번째 제작자는 아마도 비잔틴 리라의 다양한 발전에서 빌린 것 같습니다. 여기에는 vielle (fidel 또는 viuola라고도 함)과 lira da braccio가 포함되었습니다. 현재의 형태의 바이올린은 16세기 초 이탈리아 북부에서 출현했다. 바이올린의 가장 초기의 그림은 비록 세 개의 현이 있지만, 1530 년경에 이탈리아 북부에서 볼 수 있으며, "violino"와 "vyollon"이라는 단어가 이탈리아어와 프랑스어 문서에서 볼 수있는 것과 거의 동시에. 튜닝을 포함하여 악기에 대한 가장 초기의 명시적인 설명 중 하나는 1556 년 리옹에서 출판 된 Jambe de Fer의 Epitome 뮤지컬에서 나온 것입니다. 이때쯤 바이올린은 이미 유럽 전역으로 퍼지기 시작했다.
바이올린은 거리 음악가와 귀족들 사이에서 매우 인기가 있음을 입증했습니다. 프랑스 왕 찰스 IX는 안드레아 아마티에게 1560년에 그를 위해 24개의 바이올린을 만들라고 명령했다. [18] 이 "고귀한" 악기 중 하나인 찰스 IX는 가장 오래 살아남은 바이올린이다. 세계에서 가장 훌륭한 르네상스 시대의 바이올린은 오스트리아의 대공 인 페르디난트 II가 소유 한 Gasparo da Salò (c.1574)이며, 1841 년부터 노르웨이의 거장 올레 불 (Ole Bull)이 사십 년 동안 수천 번의 콘서트를 위해 그것을 사용했으며, Guarneri와 비슷한 매우 강력하고 아름다운 음색으로 사용되었습니다.  1716년 안토니오 스트라디바리가 만든 "메시아" 또는 "르 메시"("살라부에"라고도 함)는 여전히 깨끗한 상태로 남아 있다. 현재 옥스포드의 Ashmolean 박물관에 위치하고 있습니다. 
16 세기와 18 세기 사이에 가장 유명한 바이올린 제작자 (luthiers)는 다음과 같습니다 :

658 바로크 바이올린 by 제이콥 스테인러
브레시아 학교는 14 세기 후반에 리라, 비올레타, 바이올라로 시작되어 16 세기 전반기에 바이올린 분야에서 활발히 활동했습니다.
댈라 코나 가문, 브레시아와 베니스에서 1510-1560년 활동
미셸리 가문, 브레시아에서 활동한 1530-1615년
브레시아에서 1550-1580년 활동한 인베라디 가문
Gasparo da Salò 가족, Brescia와 Salò에서 1530-1615 년 활동
Giovanni Paolo Maggini, Gasparo da Salò의 학생, Brescia에서 1600-1630 년 활동
로제리 가문, 브레시아에서 활동한 1661-1721년
크레모나 학교는 16 세기 후반에 바이올라와 바이올론으로 시작되어 16 세기 후반에 바이올린 분야에서 시작되었습니다.
1550-1740년 크레모나에서 활동했던 아마티 가문
과르네리 가문, 크레모나와 베니스에서 1626-1744년 활동
스트라디바리 가문, 크레모나에서 활동한 1644-1737년[21]
루제리 가문, 크레모나에서 1650-1740년 활동
카를로 베르곤지 (루티에) (1683-1747) 크레모나
베니스의 학교, 1490 년에서 1630 년 사이에 등록 된 현악기의 140 개 이상의 제작자 중 16 세기 초부터 활을 씌운 악기의 여러 제작자가 있습니다. [22]
리나롤로 가문, 베니스에서 활동한 1505-1640년
그의 첼리로 유명한 마테오 고프릴러(Matteo Goffriller)는 베니스에서 1685-1742년에 활동했다.
피에트로 과르네리, 주세페 조반니 바티스타 과르네리의 아들이자 크레모나 출신으로 1717-1762년 베니스에서 활동하다
도메니코 몬타냐나, 베니스에서 1700-1750년경에 활동
산토 세라핀, 베니스에서 1741년부터 1776년까지 활동
18 세기 바이올린 건설, 특히 목의 길이와 각도와 무거운베이스 바에서 중요한 변화가 발생했습니다. 대부분의 오래된 악기는 이러한 수정을 거쳤으며, 따라서 소리와 반응의 차이로 의심 할 여지없이 제작자의 손을 놔 때와 상당히 다른 상태에 있습니다. 그러나 현재의 상태에서이 악기들은 바이올린 장인 정신과 사운드의 완벽을위한 표준을 설정했으며, 전 세계의 바이올린 제작자는이 이상에 가능한 한 가까이 다가 가려고 노력합니다.

오늘날까지 바이올린 제작의 황금 시대의 악기, 특히 Stradivari, Guarneri del Gesù 및 Montagnana가 만든 악기는 수집가와 연주자 모두가 가장 많이 찾는 악기입니다. Stradivari 바이올린에 대해 지불 된 현재 기록 금액은 £ 9.8 백만 (당시 US $ 15.9 million)이며, Lady Blunt로 알려진 악기는 Tarisio Auctions가 2011 년 6 월 20 일 온라인 경매에서 판매했습니다. 

건설 및 역학

바이올린의 건설
주요 기사: 바이올린 건축과 역학

바이올린과 활.
바이올린은 일반적으로 가문비 나무 꼭대기 (사운드 보드, 상단 플레이트, 테이블 또는 배라고도 함), 메이플 갈비뼈 및 뒷면, 두 개의 엔드 블록, 목, 다리, 사운드 포스트, 네 개의 현악기 및 다양한 피팅으로 구성되며, 선택적으로 꼬리 부분의 바로 위 또는 왼쪽에 부착 할 수있는 턱받이를 포함합니다. 바이올린 몸체의 독특한 특징은 모래 시계 모양과 위쪽과 뒷면의 아치형입니다. 모래 시계 모양은 두 개의 상부 시합, 두 개의 하부 시합 및 허리에 두 개의 오목한 C-시합으로 구성되어 활에 여유 공간을 제공합니다. 바이올린의 "목소리"또는 소리는 모양, 나무로 만든 나무, 위쪽과 뒷면의 졸업 (두께 프로파일), 외부 표면을 코팅하는 바니시 및이 모든 단계를 수행하는 광택자의 기술에 따라 다릅니다. 바니시와 특히 나무는 나이가 들면서 계속 개선되어 유명한 루티어가 만든 오래된 잘 만들어진 바이올린을 고정 공급합니다.
악기에 붙은 조인트의 대부분은 여러 가지 이유로 일반적인 흰색 접착제가 아닌 동물 숨기기 접착제를 사용합니다. 숨기기 접착제는 대부분의 다른 접착제보다 얇은 조인트를 만들 수 있습니다. 분해가 필요할 때 가역적입니다 (조심스럽게 가해진 힘으로 균열이 생기고 뜨거운 물로 제거 할 수있을만큼 부서지기 쉽습니다). 신선한 숨기기 접착제가 오래된 숨기기 접착제에 달라 붙기 때문에 조인트를 수리 할 때 더 많은 원래 목재를 보존 할 수 있습니다. (새로운 조인트가 소리가 나기 위해서는 더 현대적인 접착제를 완전히 청소해야합니다. 일반적으로 오래된 접착제와 함께 일부 나무를 긁어 모으는 것이 포함됩니다.) 약하고 희석 된 접착제는 일반적으로 상단을 갈비뼈에 고정시키고 너트를 손가락 보드에 고정시키는 데 사용됩니다.일반적인 수리에는 이러한 부분을 제거하는 것이 포함되기 때문입니다. 가문비 나무 꼭대기의 가장자리를 돌아 다니는 퍼플링은 가장자리에서 발생하는 균열에 대한 보호 기능을 제공합니다. 또한 상단이 리브 구조와 더 독립적으로 구부러질 수 있습니다. 상단에 페인트 칠한 가짜 퍼플링은 일반적으로 열등한 악기의 표시입니다. 등받이와 갈비뼈는 일반적으로 단풍 나무로 만들어지며, 가장 자주 화염, 바이올린 백 또는 호랑이 줄무늬라고하는 줄무늬 그림이 일치합니다.
목은 보통 갈비뼈와 등의 그것과 호환되는 화염 모양의 인물이있는 단풍 나무입니다. 그것은 일반적으로 흑단으로 만든 핑거 보드를 운반하지만, 종종 다른 나무는 더 싼 악기에 검은 색으로 얼룩 지거나 칠해졌습니다. Ebony는 경도, 아름다움 및 우수한 마모 저항력 때문에 선호되는 재료입니다. 핑거 보드는 특정 횡단 곡선으로 옷을 입고, 작은 길이 방향 "특종"또는 concavity를 가지며, 특히 내장 또는 합성 문자열을위한 경우 아래쪽 문자열에서 약간 더 발음됩니다. 일부 오래된 바이올린 (그리고 일부는 낡은 것처럼 보이게되었습니다)은 페그 박스와 목 사이의 접착제 조인트로 입증 된 접목 된 두루마리를 가지고 있습니다. 많은 정통 오래된 악기는 목을 약간 증가 된 각도로 재설정하고 약 센티미터 정도 길게했습니다. 목 이식편은 목을 현대 표준에 부합시킬 때 바로크 바이올린으로 원래 스크롤을 유지할 수있게합니다.

바이올린 테일 피스의 클로즈업, fleur-de-lis와 함께

바이올린 다리의 앞뒤 전망

f-hole을 통해 보이는 사운드 포스트
다리는 현의 진동 길이의 낮은 앵커 포인트를 형성하고 문자열의 진동을 악기의 몸체로 전달하는 정확하게 자른 단풍 나무 조각입니다. 상단 곡선은 호의 손가락 보드에서 적절한 높이로 현을 고정시켜 활에 의해 각각 개별적으로 울릴 수 있습니다. 사운드 포스트 또는 소울 포스트는 다리의 고음 발 근처에서 신중하게 선택한 지점에서 뒤쪽과 위쪽 사이의 악기 내부에 정확하게 맞습니다. 또한 악기의 상단과 뒷면의 진동 모드에 영향을 미칩니다.

테일 피스는 테일 거트를 통해 바이올린의 아래쪽 한판 승부에 현을 고정시킵니다.이 버튼은 테일 핀 (때로는 첼로의 스파이크와 같이 엔드 핀이라고 혼동 될 수 있음)이라는 흑단 버튼 주위를 돌며 하단 블록의 테이퍼 구멍에 맞습니다. E 스트링에는 종종 손가락으로 돌리는 작은 나사로 작동하는 미세 조정 레버가 있습니다. 미세 튜너는 다른 현, 특히 학생 악기에 적용될 수 있으며 때로는 테일 피스에 내장되어 있습니다. 미세 튜너를 사용하면 연주자가 현의 피치를 약간 변경할 수 있습니다. 스크롤 끝에서 문자열은 페그 박스의 나무 튜닝 못 주위를 감습니다. 튜닝 페그는 테이퍼링되어 페그 박스의 구멍에 맞습니다. 튜닝 못은 나무에 나무의 마찰에 의해 제자리에 고정됩니다. 끈은 금속 또는 덜 일반적으로 장이나 내장으로 만들어질 수 있습니다 금속으로 싸여있다. 스트링은 일반적으로 스트링(예를 들어, G 스트링, D 스트링, A 스트링 또는 E 스트링)을 식별하고 페그에 대한 마찰을 제공하기 위해 양쪽 끝에 컬러 실크 래핑을 갖는다. 테이퍼 페그는 플레이어가 페그의 축을 따라 적절한 압력을 가하면서 마찰을 늘리거나 줄일 수 있습니다.

문자열
주요 기사: 바이올린 건축의 현 단면도
끈은 처음에는 양 장 (일반적으로 고양이에서 유래하지 않은 catgut으로 알려짐) 또는 단순히 뻗어 있고, 말리고, 뒤틀린 창자로 만들어졌습니다. 20 세기 초에 끈은 장이나 강철로 만들어졌습니다. 현대 현은 장, 고체 강철, 연선 강철 또는 펄론과 같은 다양한 합성 물질, 다양한 금속으로 감겨지고 때로는 은으로 도금 될 수 있습니다. 대부분의 E 스트링은 일반 또는 도금 강철로 풀립니다. 장 현은 예전만큼 흔하지는 않지만 많은 연주자들이 바로크 음악의 역사적으로 정보에 입각 한 공연에서 특정 사운드를 얻기 위해 사용합니다. 문자열의 수명은 제한되어 있습니다. 결국, 기름, 흙, 부식 및 로진이 축적되면 끈의 질량이 길이에 따라 고르지 않게 될 수 있습니다. 마모에서 취소되는 문자열의 권선과 같은 명백한 것들 외에도, 플레이어는 일반적으로 더 이상 "진정한"(고조파에 좋은 억양과 함께)을 연주하지 않을 때 문자열을 변경하여 원하는 톤, 광채 및 억양을 잃습니다. 스트링 수명은 스트링 품질과 연주 강도에 따라 달라집니다.

피치 범위

바이올린 G 스트링(전경)의 오버톤의 3D 스펙트럼 다이어그램. 우리가 듣는 피치는 약 200Hz의 피크입니다.
바이올린은 G3, D4, A4, E5 음에서 다섯 번째로 조정됩니다. 일반적으로 튜닝 된 바이올린의 가장 낮은 음은 G3 또는 중간 C (C4) 아래의 G입니다. (드물게 가장 낮은 문자열이 네 번째, D3까지 조정될 수 있습니다.) 가장 높은 음은 덜 잘 정의되어 있습니다 : E7, 열린 문자열 위의 E 두 옥타브 (E5로 조정됨)는 오케스트라 바이올린 부분의 실질적인 한계로 간주 될 수 있지만,[25] 손가락 보드의 길이와 바이올리니스트의 기술에 따라 더 높게 연주 할 수있는 경우가 종종 있습니다. 그러나 더 높은 음표 (최대 C8)는 문자열을 멈추거나, 핑거 보드의 한계에 도달하거나, 인공 고조파를 사용하여 소리 낼 수 있습니다.

음향학

헬름홀츠 코너는 현을 따라 앞뒤로 움직입니다.
주요 기사: 바이올린 음향
아치형 모양, 나무의 두께 및 물리적 특성이 바이올린의 소리를 지배합니다. Chladni 패턴이라고 불리는 특정 주파수에서 진동 된 플레이트와 함께 플레이트에 뿌려진 모래 또는 반짝이에 의해 만들어진 노드의 패턴은 때때로 루티어가 악기를 조립하기 전에 작업을 확인하는 데 사용됩니다. [26]

크기

분수 (1⁄16) 및 풀 사이즈 (4⁄4) 바이올린
표준 풀 (4⁄4) 크기 외에도 바이올린은 7⁄8, 3⁄4, 1⁄2, 1⁄4, 1⁄8, 1⁄10, 1⁄16, 1⁄32 및 심지어 심지어 7⁄8, 3⁄4, 1⁄4, 1⁄4 크기의 소위 분수 크기로 만들어집니다. 1⁄64. 이 작은 악기는 일반적으로 손가락이 풀 사이즈 악기의 올바른 위치에 도달 할만큼 길지 않은 젊은 선수들이 사용합니다.
어떤 의미에서는 악기의 치수와 관련이 있지만, 분수 크기는 상대적 비율에 대한 문자 그대로의 설명으로 의도되지 않습니다. 예를 들어, 3⁄4 크기의 악기는 풀 사이즈 악기의 길이가 3 분기가 아닙니다. 전체 크기 또는 4⁄4, 바이올린의 몸 길이 (목을 포함하지 않음)는 356mm (14.0 in)이며 일부 17 세기 모델에서는 작습니다. 3⁄4 바이올린의 몸 길이는 335 mm (13.2 in)이고 1⁄2 크기는 310 mm (12.2 in)입니다. 바이올린의 가장 가까운 가족 구성원 인 비올라와 함께 크기는 분수 크기가 아닌 인치 또는 센티미터의 신체 길이로 지정됩니다. 풀 사이즈 비올라는 평균 40cm(16인치)입니다. 그러나 각 성인은 사용할 비올라의 크기를 결정합니다.
때로는 작은 프레임을 가진 성인이 풀 사이즈 악기 대신 소위 7⁄8 사이즈 바이올린을 사용할 수 있습니다. 때로는 숙녀의 바이올린이라고도하는이 악기는 풀 사이즈 바이올린보다 약간 짧지 만 훌륭한 풀 사이즈 바이올린과 비슷한 사운드를 낼 수있는 고품질 악기 인 경향이 있습니다. 5 현악 바이올린 크기는 일반 4 현과 다를 수 있습니다.
메조 바이올린
바이올린 옥텟의 바이올린에 해당하는 악기는 메조 바이올린으로, 바이올린과 동일하게 조정되었지만 약간 더 긴 몸체를 가지고 있습니다. 메조 바이올린의 현은 표준 바이올린의 끈과 같은 길이입니다. 이 기기는 일반적으로 사용되지 않습니다. [27]

조율

스크롤 및 페그 박스, 올바르게 묶음

바이올린에 열린 현의 피치. 피치의 메모 이름은 스테이브 아래의 문자 이름과 계단 위의 프랑스어 solfege 등가물로 작성됩니다. G = 졸; D = 다시; A = la; E=mi 오디오 스피커 아이콘Play (도움말· 정보)
바이올린은 스크롤 아래의 페그 박스의 못을 돌리거나 테일 피스의 미세 튜너 나사를 조정하여 조정됩니다. 모든 바이올린에는 못이 있습니다. 미세 조정기 (미세 조정기라고도 함)는 선택 사항입니다. 대부분의 미세 튜너는 스트링 끝에 부착된 레버를 움직이는 금속 나사로 구성됩니다. 그들은 못보다 훨씬 쉽게 매우 작은 피치 조정을 허용합니다. 미세한 튜너를 시계 방향으로 돌리면 피치가 더 선명해지고 (스트링이 더 긴장되기 때문에) 시계 반대 방향으로 돌리면 피치가 평평 해집니다 (스트링이 덜 긴장되기 때문에). 네 개의 스트링 모두에 대한 미세 튜너는 스틸 코어가있는 스트링을 사용할 때 매우 유용하며 일부 플레이어는 합성 문자열과 함께 사용합니다. 현대 E 스트링은 강철이기 때문에 미세 튜너는 거의 항상 해당 스트링에 적합합니다. 미세 튜너는 강철 또는 합성 코어 스트링보다 탄성이 뛰어나고 미세 튜너의 매우 작은 움직임에 적절하게 반응하지 않는 내장 스트링과 함께 사용되지 않습니다.

바이올린을 튜닝하기 위해 A 문자열은 먼저 표준 피치 (일반적으로 A = 440Hz)로 조정됩니다. (피아노 또는 아코디언과 같은 고정 피치 악기를 동반하거나 연주 할 때, 바이올린은 다른 튜닝 참조가 아닌 해당 악기의 해당 음표로 조정됩니다. 오보에(oboe)는 일반적으로 바이올린이 있는 오케스트라를 튜닝하는 데 사용되는 악기로, 바이올린이 그 소리가 관통하고 다른 목관악기를 통해 들을 수 있기 때문입니다.) 그런 다음 다른 문자열은 쌍으로 절하여 완벽한 다섯 번째 간격으로 서로 맞닿아 조정됩니다. 때로는 악기에 더 밝은 사운드를주기 위해 솔로 연주에 미세하게 더 높은 튜닝이 사용됩니다. 반대로, 바로크 음악은 때때로 바이올린의 사운드를보다 부드럽게 만들기 위해 낮은 튜닝을 사용하여 연주됩니다. 튜닝 후, 악기의 다리는 F 구멍의 내부 닉스 사이에 똑바로 서 있고 중앙에 있는지 확인하기 위해 검사 될 수 있습니다. 비뚤어진 다리는 잘 만들어진 바이올린의 소리에 큰 영향을 줄 수 있습니다.

광범위한 연주 후, 튜닝 못과 구멍이 마모되어 못이 긴장 상태에서 미끄러지기 쉽습니다. 이로 인해 스트링의 피치가 다소 떨어지거나 페그가 완전히 느슨해지면 스트링이 완전히 긴장을 잃을 수 있습니다. 튜닝 못이 미끄러지는 바이올린은 루티어 또는 바이올린 수리공이 수리해야합니다. 정기적으로 사용되는 페그 도프 또는 페그 화합물은 페그가 부드럽게 회전하도록 허용하면서 그러한 마모의 시작을 지연시킬 수 있습니다.

튜닝 G-D-A-E는 클래식 음악, 재즈 및 민속 음악을 포함한 대부분의 바이올린 음악에 사용됩니다. 다른 튜닝은 때때로 사용됩니다. 예를 들어, G 문자열은 A까지 튜닝할 수 있습니다. 클래식 음악에서 비표준 튜닝을 사용하는 것은 scordatura로 알려져 있습니다. 일부 민속 스타일에서는 크로스 튜닝이라고합니다. 클래식 음악에서 스코다투라의 유명한 예 중 하나는 카밀 생 사엥스의 댄스 마카브레 (Danse Macabre)로, 솔로 바이올린의 E 스트링이 E♭로 조정되어 작곡에 섬뜩한 불협화음을 부여합니다. 다른 예로는 E가 E로 조정되고 G가 G♭에 맞게 조정 되는 Béla Bartók의 Contrasts의 세 번째 움직임, 네 개의 현이 모두 세미톤으로 더 높은 곡으로 지정되는 Niccolò Paganini의 First Violin Concerto, Biber의 Mystery Sonatas가 있습니다.♯

인도 클래식 음악과 인도 라이트 음악에서 바이올린은 남부 인도 스타일의 D-A-D-A♯♯♯♯에 맞춰질 가능성이 큽니다. 인도 클래식 음악에는 절대 피치의 개념이 없기 때문에 음악가는 편리한 튜닝을 사용하여 현악기 사이의 상대적 피치 간격을 유지할 수 있습니다. 이 간격으로 널리 퍼진 또 다른 튜닝은 B-F-B-F♭♭이며, 인도 카나틱 클래식 음악 스타일의 Sa-Pa-Sa-Pa에 해당합니다. 북인도 힌두스타니 스타일에서 튜닝은 일반적으로 Sa-Pa-Sa-Pa 대신 Pa-Sa-Pa-Sa입니다. 예를 들어 F-B-F-B♭♭에 해당할 수 있습니다. 이란의 클래식 음악과 이란의 가벼운 음악에서 바이올린은 다스트가에서 다른 튜닝을 할 가능성이 높으며, 바이올린은 Dastgah-h Esfahan 또는 Dastgāh-e Šur에서 (E-A-D-E) 및 (E-A-E-E), Dastgāh-e Māhur is (E-A-D-A)에서 튜닝 될 가능성이 큽니다. 아랍 클래식 음악에서 A와 E 문자열은 전체 단계, 즉 G-D-G-D 로 낮아집니다. 이것은 아랍어 maqams, 특히 쿼터 톤을 포함하는 마캄을 쉽게 연주하기위한 것입니다.

대부분의 바이올린에는 네 개의 현이 있지만 추가 문자열이있는 바이올린이 있습니다. 일부는 일곱 개의 문자열을 가지고 있습니다. 일곱은 일반적으로 활이 달린 현악기에서 실용적인 문자열의 최대 수로 생각됩니다. 일곱 개 이상의 현을 사용하면 활로 특정 내부 문자열을 개별적으로 연주하는 것은 불가능합니다. 일곱 개의 현을 가진 바이올린은 매우 드뭅니다. 이러한 바이올린의 여분의 현은 일반적으로 G 스트링보다 피치가 낮습니다. 이러한 문자열은 일반적으로 C, F 및 B로 조정됩니다♭. 악기의 연주 길이 또는 너트에서 다리까지의 현악기 길이가 일반 본격적인 바이올린의 길이와 같을 경우; 즉, 13 인치 (33cm) 미만의 비트는 바이올린이라고 적절하게 불릴 수 있습니다. 그러한 악기 중 일부는 다소 길기 때문에 비올라로 간주되어야합니다. 다섯 개 이상의 현을 가진 바이올린은 일반적으로 재즈나 민속 음악에 사용됩니다. 일부 맞춤형 악기에는 활을 굽히지 않고 활을 쏘는 현의 진동으로 인해 동정심으로 들리는 여분의 현이 있습니다.

바이올린은 앉거나 일어서면서 연주됩니다. 솔로 연주자 (혼자 연주하든, 피아노로 연주하든, 오케스트라와 함께 연주하든)는 대부분 일어 서서 연주합니다 (Itzhak Perlman의 경우와 같은 신체적 장애로 예방되지 않는 한). 대조적으로, 오케스트라와 실내악에서는 보통 좌석에 앉아 연주됩니다. 2000 년대와 2010 년대에는 바로크 음악 (예 : 프라이부르크 바로크 오케스트라)을 연주하는 일부 오케스트라는 바이올린과 비올라, 솔로 및 앙상블을 모두 공연했습니다.

바이올린을 잡는 표준 방법은 턱의 왼쪽이 바이올린의 턱받이에 놓여 있고 왼쪽 어깨가지지되며 종종 어깨 받침 (또는 어깨 받침대로 고생하는 젊은 선수를위한 스폰지와 탄력있는 밴드)의 도움을받습니다. 턱과 어깨는 왼손이 높은 위치 (손가락 판에서 멀리 떨어진 높은 음조)에서 낮은 위치 (페그 박스에 더 가까운)로 갈 때 바이올린을 안정적으로 유지할 수 있도록 바이올린을 단단히 잡아야합니다. 인도 자세에서 바이올린의 안정성은 발의 측면에 놓인 두루마리에 의해 보장됩니다.

교사는 연주의 질을 위해 그리고 반복적 인 긴장 부상의 가능성을 줄이기 위해 좋은 자세의 중요성을 지적하지만, 좋은 자세가 무엇인지, 그것을 달성하는 방법에 대한 조언은 세부 사항이 다릅니다. 그러나 모든 사람들은 긴장이나 강성이없는 자연스러운 편안한 자세의 중요성을 주장합니다. 거의 보편적으로 권장되는 것들은 왼손의 손가락이 자유롭게 움직일 수 있도록 왼쪽 손목을 똑바로 (또는 거의 그렇게) 유지하고 부상의 가능성을 줄이고 어깨를 자연스러운 편안한 자세로 유지하고 과장된 방식으로 두 손목 중 하나를 들어 올리는 것을 피하는 것입니다. 이것은 다른 부당한 긴장과 마찬가지로 운동의 자유를 제한하고 부상의 위험을 증가시킬 것입니다.

헝치는 몸을 균형에서 벗어나 어깨를 상승시키기 때문에 좋은 연주를 방해 할 수 있습니다. 건강에 좋지 않은 긴장에서 오는 또 다른 징후는 왼손의 통증으로, 바이올린을 잡을 때 너무 많은 압력을 나타냅니다.

왼손 및 피치 제작

첫 번째 위치 핑거링. 이 다이어그램은 "첫 번째 위치" 메모만 표시합니다. 표시된 것 이상으로 더 높은 피치의 메모가 있습니다.
왼손은 현의 소리 길이, 따라서 현의 피치를 손가락 끝으로 손가락 판에 대해 "중지"(누르기)하여 다른 피치를 생성합니다. 바이올린은 기타와 마찬가지로 현을 멈추게하는 프렛이 없기 때문에 플레이어는 좋은 억양 (튜닝)으로 연주하기 위해 현에 손가락을 어디에 두어야하는지 정확히 알아야합니다. 초보 바이올리니스트들은 너트에 가장 가까운 열린 현과 가장 낮은 위치를 연주합니다. 학생들은 종종 A Major 및 G 전공과 같은 비교적 쉬운 키로 시작합니다. 학생들은 비늘과 간단한 멜로디를 배웁니다. 비늘과 아르페지오와 귀 훈련의 연습을 통해, 바이올리니스트의 왼손은 결국 근육 기억에 의해 직관적으로 노트를 "발견"합니다.

초보자는 때로는 적절한 왼손 손가락 배치를 위해 손가락 보드에 놓인 테이프에 의존하지만 일반적으로 테이프가 진행됨에 따라 테이프를 빨리 포기합니다. 일반적으로 사용되는 또 다른 마킹 기술은 손가락 판에 흰 색 점을 사용합니다.이 점은 정기적 인 연습의 몇 주 동안 마모됩니다. 불행히도이 연습은 적절한 귀 훈련 대신 때때로 사용되며 귀가 아닌 눈으로 손가락을 배치하도록 안내합니다. 특히 연주를 배우는 초기 단계에서는 소위 "벨소리"가 유용합니다. 첫 번째 위치에는 아홉 개의 음표가 있는데, 정지 된 음표가 다른 (열린) 문자열과 일치하거나 옥타브 소리로 들리며 동정심으로 울려 퍼집니다. 학생들은 종종 이러한 벨소리를 사용하여 열린 문자열과 조화를 이루는지 확인하여 중지 된 음표의 억양을 확인합니다. 예를 들어, G 스트링에서 정지된 피치 "A"를 연주할 때, 바이올리니스트는 열린 D 스트링을 동시에 재생하여 정지된 "A"의 억양을 확인할 수 있다. "A"가 조정되면 "A"와 열린 D 문자열은 조화로운 완벽한 네 번째를 만들어야합니다.

바이올린은 완벽한 네 번째 곡으로 튜닝되는 더블 베이스를 제외한 모든 오케스트라 현악 (바이올린, 비올라, 첼로)과 마찬가지로 완벽한 다섯 번째 곡으로 조정됩니다. 이후의 각 음표는 연주자가 가장 조화로운 것으로 인식하는 피치에서 멈춘다, "반주하지 않을 때, [바이올리니스트]는 단련되거나 자연스러운 [그냥] 스케일로 일관되게 연주하지 않지만, 전체적으로 피타고라스 스케일에 부합하는 경향이 있다." [28] 바이올리니스트가 현악 사중주나 현악 오케스트라에서 연주할 때, 현은 일반적으로 연주하는 키에 맞게 튜닝을 "달콤하게"합니다. 피아노와 같은 동일한 기질로 조정 된 악기로 연주 할 때 숙련 된 바이올리니스트는 불협화음이 발생하지 않도록 피아노의 동일한 기질에 맞게 튜닝을 조정합니다.

손가락은 통상적으로 악보 및 에뛰드 책과 같은 음악 표기법으로 1 (인덱스) 내지 4 (작은 손가락)로 번호가 매겨진다. 특히 바이올린 음악의 교육용 판에서 음표 위의 숫자는 사용할 손가락을 나타낼 수 있으며 0 또는 O는 열린 문자열을 나타냅니다. 오른쪽 차트는 첫 번째 위치에서 도달 할 수있는 메모의 배열을 보여줍니다. 이 차트에는 표시되지 않음은 손가락이 너트에서 위쪽(피치 단위)으로 이동함에 따라 메모 위치 사이의 간격이 가까워지는 방식입니다. 차트 측면의 막대는 초보자의 테이프 배치에 대한 일반적인 가능성을 나타냅니다 (1 번째, 높은 2 번째, 3 번째 및 4 번째 손가락).

위치
손가락 판에 왼손을 배치하는 것은 "위치"가 특징입니다. 대부분의 초보자가 시작하는 첫 번째 위치 (일부 방법은 세 번째 위치에서 시작하지만)는 현악 음악에서 가장 일반적으로 사용되는 위치입니다. 초보 청소년 오케스트라를 위해 작곡 된 음악은 종종 대부분 첫 번째 위치에 있습니다. 표준 튜닝에서이 위치에서 사용할 수있는 가장 낮은 음은 개방형 G3입니다. 첫 번째 위치에서 가장 높은 음은 E-string의 네 번째 손가락으로 재생되어 B5 소리를 냅니다. 손을 목 위로 움직이면 첫 번째 손가락이 두 번째 손가락을 대신하여 플레이어를 두 번째 위치로 가져옵니다. 첫 번째 손가락이 세 번째 손가락의 첫 번째 위치를 차지하게하면 플레이어가 세 번째 위치로 이동하게됩니다. 손의 움직임과 관련된 위치 변화는 시프트라고하며, 정확한 억양과 부드러운 레가토 (연결된) 소리를 유지하는 효과적인 변속은 모든 수준에서 기술의 핵심 요소입니다. 종종 "가이드 손가락"이 사용됩니다. 이전 위치에서 메모를 재생하는 마지막 손가락은 이동 과정에서 지속적으로 가볍게 터치하여 새 위치의 올바른 위치에 도달합니다. 초등 변속 운동에서 "가이드 핑거"는 종종 현을 위아래로 미끄러지는 동안 음성이되므로 플레이어는 귀로 올바른 위치를 설정할 수 있습니다. 이러한 연습 외에는 거의 들리지 않아야합니다 (연주자가 표현상의 이유로 의식적으로 포르타멘토 효과를 적용하지 않는 한).

낮은 자세로 이동하는 과정에서 왼손의 엄지 손가락은 손가락에 비해 동일한 위치에 유지되도록 악기의 목을 위 또는 아래로 움직입니다 (엄지 손가락의 움직임이 손가락의 움직임 전이나 약간 후에 발생할 수 있음). 이러한 위치에서 엄지 손가락은 종종 플레이어가 어떤 위치에 있는지 정의하는 위치를 정의하는 '앵커'로 간주됩니다. 매우 높은 위치에서, 엄지 손가락은 악기의 몸체가 방해가됨에 따라 손가락으로 움직일 수 없습니다. 대신, 엄지 손가락은 목이 신체의 오른쪽 시합과 만나는 지점에 앉기 위해 악기의 목 주위를 움직이며 손가락이 높은 위치 사이를 이동하는 동안 거기에 남아 있습니다.

어떤 위치의 정상적인 나침반 밖에서 연주되는 음표를 아무런 교대 없이 확장이라고 합니다. 예를 들어, A 스트링의 세 번째 위치에서, 손은 자연스럽게 D에 첫 번째 손가락으로, 네 번째 손가락은♮ G 또는 G♮에 앉습니다♯. 첫 번째 손가락을 다시 C♯로 늘리거나 네 번째 손가락을 A♮까지 늘리면 확장이 형성됩니다. 확장은 일반적으로 하나 또는 두 개의 음표가 다른 견고한 위치에서 약간 벗어난 경우에 사용되며 시프트 또는 문자열 교차보다 덜 간섭적이라는 이점을 제공합니다. 바이올린에서 가장 낮은 위치를 "절반 위치"라고합니다. 이 위치에서 첫 번째 손가락은 A 문자열과 같이 "낮은 첫 번째 위치"메모에 있고 네 번째 손가락은 .B 문자열의 D♮와 같이 일반 위치에서 아래쪽으로 확장되며 다른 두 손가락은 필요에 따라 사이에 배치됩니다.♭ 엄지 손가락의 위치는 일반적으로 첫 번째 위치와 "절반 위치"에서 동일하므로 실제 위치보다 손 전체의 뒤로 확장으로 생각하는 것이 좋습니다.

바이올린 범위의 상한은 주로 한 현에 두 옥타브 이상을 쉽게 연주 할 수있는 플레이어의 기술에 의해 결정되며 악기 전체에서 네 개의 옥타브를 연주 할 수 있습니다. 위치 이름은 주로 하위 위치와 메소드 북 및 etudes에 사용됩니다. 이런 이유로, 일곱 번째 위치보다 높은 것에 대한 언급을 듣는 것은 드문 일입니다. 실질적으로 가장 높은 순위는 13 위입니다. 매우 높은 직책은 두 가지 이유로 인해 특별한 기술적 과제입니다. 첫째, 서로 다른 음표의 위치 차이가 높은 위치에서 훨씬 좁아져 노트를 찾기가 더 어려워지고 경우에 따라 귀로 구별하기가 더 어려워집니다. 둘째, 매우 높은 위치에서 현의 훨씬 짧은 소리 길이는 오른팔과 활이 악기를 효과적으로 울리는 데 어려움입니다. 악기가 더 미세하고 (그리고 

모든 음표(열린 D 아래의 음표 제외)는 둘 이상의 문자열에서 재생할 수 있습니다. 이것은 현악기의 표준 디자인 기능입니다. 그러나 88 개의 음표 각각에 대해 하나의 위치 만있는 피아노와는 다릅니다. 예를 들어, 바이올린에서 열린 A의 음표는 열린 A 또는 D 문자열 (첫 번째에서 네 번째 위치) 또는 G 문자열 (여섯 번째에서 아홉 번째 위치에서 매우 높음)으로 재생할 수 있습니다. 각 문자열은 문자열의 가중치 (두께)가 다르고 다른 열린 문자열의 공명 때문에 다른 톤 품질을 갖습니다. 예를 들어, G 스트링은 종종 후기 낭만주의 음악에 특히 적합한 매우 완전하고 음울한 사운드를 가진 것으로 간주됩니다. 이것은 종종 마킹에 의해 음악에서 표시된다, 예를 들어, sul G 또는 IV (네 번째 문자열에서 재생하는 것을 나타내는 로마 숫자; 관례에 의해, 문자열은 가장 얇고 가장 높은 피치 (I)에서 가장 낮은 피치 (IV)로 번호가 매겨진다. 점수에 명시적인 지시가 없더라도 고급 바이올리니스트는 자신의 재량과 예술적 감수성을 사용하여 특정 음표나 구절을 연주할 문자열을 선택합니다.

문자열 열기
끈이 손가락을 막지 않고 숙이거나 뽑히면 열린 끈이라고합니다. 이것은 현이 손가락 아래보다 너트에서 더 자유롭게 진동하기 때문에 정지 된 문자열과는 다른 소리를냅니다. 또한, 열린 문자열에서 비브라토를 완전히 사용하는 것은 불가능합니다 (인접한 문자열에서 노트의 옥타브를 멈추고 진동하여 비브라토 요소를 오버톤에 도입함으로써 부분 효과를 얻을 수 있음). 고전 전통에서 바이올리니스트들은 작곡가가 지시하지 않는 한 열린 현에 의해 도입 된 음색의 변화를 피할 수 있도록 문자열 교차 또는 위치 이동을 자주 사용합니다. 이것은 종종 가혹한 소리를 갖는 것으로 간주되는 열린 E의 경우 특히 그렇습니다. 그러나 예술적 효과를 위해 열린 문자열을 특별히 선택할 수있는 상황도 있습니다. 이것은 오르간의 무인 항공기를 모방하는 클래식 음악 (J. S. Bach, 솔로 바이올린을 위해 E의 Partita에서 이것을 달성했습니다), 바이올린 (예 : Hoedown) 또는 열린 문자열을 피하기위한 조치를 취하는 것이 음악적으로 부적절한 곳에서 볼 수 있습니다 (예 : 위치 이동이 덜 일반적이었던 바로크 음악에서). 비늘이나 아르페지오의 빠른 구절에서 음표가 울리고 거친 음색을 개발할 시간이 없다면 편의를 위해 열린 E 문자열을 간단히 사용할 수 있습니다. 민속 음악, 바이올린 및 기타 전통 음악 장르에서 열린 문자열은 일반적으로 공명 음색에 사용됩니다.

인접한 현에서 정지 된 음표와 동시에 열린 현을 연주하면 백파이프와 같은 무인 항공기가 생성되며, 종종 작곡가가 민속 음악을 모방하여 사용합니다. 때로는 두 음표가 동일하여 (예 : 열린 A 문자열에 대해 D 문자열에서 손가락으로 A를 재생) 울리는 일종의 "바이올린"소리를냅니다. 동일한 정지 음표와 동시에 열린 문자열을 연주하는 것은 특히 오케스트라 연주에서 더 많은 볼륨이 필요할 때 호출 될 수 있습니다. 일부 클래식 바이올린 부분에는 작곡가가 열린 문자열에 의해 생성 된 특정 음향 때문에 작곡가가 바이올리니스트에게 열린 현을 연주하도록 요청하는 음표가 있습니다.

더블 스톱, 트리플 스톱, 코드 및 드론
이중 정지는 두 개의 개별 문자열이 손가락에 의해 멈추고 동시에 숙여 두 개의 연속 톤을 생성하는 것입니다 (일반적인 간격에는 3rds, 4ths, 5ths, 6ths 및 octaves가 포함됩니다). 더블 스톱은 어느 위치에서나 표시 될 수 있지만 한 위치에서 자연스럽게 더블 스톱 할 수있는 가장 넓은 간격은 옥타브 (아래쪽 문자열의 검지 손가락과 높은 문자열의 분홍색 손가락 포함)입니다. 그럼에도 불구하고, 열 번째 또는 그 이상의 간격은 때로는 고급 레퍼토리에서 두 번 멈추어야하므로 손가락이 뻗어있는 왼쪽 자세가 늘어납니다. "더블 스톱"이라는 용어는 종종 한 손가락 만 문자열을 멈추더라도 손가락으로 된 음표와 함께 열린 문자열을 울리는 것을 포

서너 개의 동시 음표가 표시되는 경우, 바이올리니스트는 일반적으로 화음을 "분할"하여 먼저 연주할 아래쪽 하나 또는 두 개의 음표를 먼저 선택한 후 위쪽 하나 또는 두 개의 음표로 즉시 계속 진행하며, 악기의 자연스러운 공명은 네 개의 음표가 모두 동시에 음성이 된 경우와 유사한 효과를 생성합니다. 어떤 상황에서는 세 개의 문자열에 걸쳐 세 개의 음표가 동시에 음성화될 수 있는 "트리플 스톱"이 가능합니다. 활은 자연스럽게 한 번에 세 개의 현을 치지 않지만, 바이올리니스트가 세 개의 음표 코드를 "깨뜨릴"때 충분한 활 속도와 압력이 있다면, 활 머리는 일시적으로 세 개의 현으로 구부러져 각각 동시에 들릴 수 있습니다. 이것은 일반적으로 개구리 근처에서 무거운 스트로크로 이루어지며 크고 공격적인 톤을 생성합니다. 오케스트라의 더블 스톱은 때때로 디비시로 표시되고 연주자 사이에 나뉘어지며, 음악가의 일부 부서는 낮은 음표를 연주하고 일부 부서는 더 높은 음표를 연주합니다. 더블 스톱 (및 디비시)은 바이올린이 반주를 연주하고 다른 악기 또는 섹션이 멜로디로 연주 될 때 오케스트라 레퍼토리에서 일반적입니다.

역사적으로 정보에 입각 한 공연의 일부 장르 (일반적으로 바로크 음악과 그 이전)에서는 분할 코드 나 트리플 스톱 코드가 적절하다고 생각되지 않습니다. 일부 바이올리니스트들은 모든 화음(일반 더블 스톱 포함)을 아르페기(arpeggiate)하여 모든 음표나 대부분의 음표를 마치 비뚤어진 인물로 쓰여진 것처럼 개별적으로 연주한다. 그러나 현대 바이올린의 발달로 인해 다리가 덜 구부러져 트리플 스톱이 더욱 자연스러워졌습니다. 일부 음악 스타일에서는 기본 반주를 제공하기 위해 주로 인접한 현에 쓰여진 통로 중에 지속적인 오픈 스트링 무인 항공기를 재생할 수 있습니다. 이것은 클래식 음악보다 민속 전통에서 더 자주 볼 수 있습니다.

비브라토
파일:MHVC-교코요네모토-파가니니카프라이스24.ogv
요네모토 교코가 바이올린으로 파가니니의 카프라이스 24번을 연주하다

Petrowitsch Bissing은 바이올린에 대한 비브라토 방법의 강사였으며 [29] 바이올린 비브라토 톤의 재배라는 제목의 책을 출판했습니다. [30]
비브라토는 왼손과 팔의 기술로, 음표의 피치가 맥동 리듬에서 미묘하게 변합니다. 손이나 팔의 다양한 부분이 동작에 관여 할 수 있지만, 그 결과 손가락 끝의 움직임이 진동하는 스트링 길이에 약간의 변화를 가져 와서 피치가 기복을 일으 킵니다. 대부분의 바이올리니스트들은 비브라토를 사용할 때 음표 아래로 진동하거나 실제 음표에서 피치가 낮은데, 이는 지각이 다양한 소리에서 가장 높은 음조를 선호한다고 믿기 때문이다. [31] 비브라토는 조율되지 않은 음표를 위장하는 일을 거의 하지 않는다. 다른 말로하면, 잘못 적용된 비브라토는 좋은 억양을 대체하는 가난한 대체물입니다. 억양에 대한 작업을위한 비늘 및 기타 운동은 일반적으로 작업을보다 쉽고 효과적으로 만들기 위해 비브라토없이 재생됩니다. 음악 학생들은 종종 음악에 달리 표시되지 않는 한, 비브라토가 가정된다고 가르칩니다. 그러나 이것은 단지 추세 일 뿐이라는 점에 유의해야합니다. 악보에는 바이올리니스트가 비브라토를 추가하도록 강요하는 것은 없습니다. 이것은 시대 스타일로 연주되는 바로크 음악과 많은 전통적인 바이올린 스타일과 같이 비브라토를 거의 또는 전혀 사용하지 않는 스타일로 연주하고자하는 고전적으로 훈련 된 바이올리니스트에게 장애물이 될 수 있습니다.

Vibrato는 손가락, 손목 및 팔 동작의 적절한 조합으로 생성 될 수 있습니다. 손 비브라토 (또는 손목 비브라토)라고하는 한 가지 방법은 진동을 달성하기 위해 손목에서 손을 뒤로 흔드는 것입니다. 대조적으로, 또 다른 방법 인 팔 비브라토는 팔꿈치에서의 움직임에 의해 피치를 조절합니다. 이러한 기술을 조합하면 플레이어가 다양한 색조 효과를 낼 수 있습니다. 바이올린 비브라토의 "언제"와 "무엇을위한"과 "얼마나"는 스타일과 취향의 예술적 문제이며, 다른 교사, 음악 학교 및 음악 스타일은 다양한 스타일의 비브라토를 선호합니다. 예를 들어, 과도한 비브라토는 산만해질 수 있습니다. 음향 측면에서 비브라토가 사운드에 추가하는 관심은 오버톤 믹스[32](또는 톤 색상 또는 음색)와 사운드 프로젝션의 방향 패턴이 피치의 변화에 따라 변경되는 방식과 관련이 있습니다. 방의 다른 부분에서 들리는 소리를 "가리키는"[33][34] 리듬 방식으로 비브라토는 잘 만들어진 바이올린의 소리에 "반짝임"또는 "생동감"을 더합니다. 비브라토는 대부분 바이올리니스트의 재량에 맡겨져 있다. 비브라토의 다른 유형은 작품에 다른 분위기를 가져올 것이며, 비브라토의 다양한 정도와 스타일은 종종 잘 알려진 바이올리니스트에서 눈에 띄는 특성입니다.

비브라토 트릴
비브라토와 같은 모션을 사용하여 빠른 트릴 효과를 만들 수 있습니다. 이 효과를 실행하기 위해 메모를 중지하는 손가락 위의 손가락이 문자열에서 매우 약간 떨어져 배치되고 (손가락을 단단히 눌러 문자열을 멈추게) 비브라토 동작이 구현됩니다. 두 번째 손가락은 각 진동으로 아래쪽 손가락 위의 스트링을 가볍게 만져서 피치가 넓은 비브라토와 매우 빠른 트릴 사이의 혼합처럼 들리는 방식으로 진동합니다. 이것은 더 높은 음과 낮은 음표 사이에 덜 정의 된 전환을 제공하며, 일반적으로 해석 적 선택에 의해 구현됩니다. 이 트릴 기술은 높은 위치 (음표 사이의 거리가 줄어든 곳)의 반음조 트릴 또는 트릴에만 잘 작동하는데, 이는 트릴링 손가락과 그 아래의 손가락이 만져서 트릴링 할 수있는 거리를 제한하기 때문입니다. 트릴링 거리가 손가락 너비보다 작은 매우 높은 위치에서는 비브라토 트릴이 트릴 효과를위한 유일한 옵션 일 수 있습니다.

고조파

바이올린 소리와 기술 (0:54)
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열린 문자열 (아르코와 피자 카토)
주요 스케일 (아르코 및 피자 카토) 비브라토
와 함께 A 메이저 스케일의 시작 A 메이저 스케일은 A, E 및 A7의 인공

고조파 노드에서 손가락 끝으로 문자열을 가볍게 만지지만 문자열을 완전히 누른 다음 문자열을 뽑거나 절하지 않으면 고조파가 생성됩니다. 일반적인 음색 대신 더 높은 음조가 울립니다. 각 노드는 문자열의 정수 분할(예: 문자열의 길이에 따라 절반 또는 삼분의 일)에 있습니다. 반응형 악기는 스트링의 길이를 따라 수많은 가능한 고조파 노드를 울립니다. 고조파는 고조파의 피치를 결정하는 음표 위에 작은 원이 있거나 다이아몬드 모양의 음표 머리로 음악에 표시됩니다. 고조파에는 두 가지 유형이 있습니다 : 자연 고조파와 인공 고조파 (거짓 고조파라고도 함).

자연 고조파는 열린 현에서 연주됩니다. 뽑거나 숙일 때 열린 끈의 피치를 기본 주파수라고합니다. 고조파는 오버톤 또는 부분이라고도합니다. 그것들은 첫 번째 고조파라고하는 기본의 전체 숫자 배수에서 발생합니다. 두 번째 고조파는 첫 번째 오버톤 (열린 문자열 위의 옥타브)이고 세 번째 고조파는 두 번째 오버톤 등입니다. 두 번째 고조파는 현의 중간에 있으며 현의 피치보다 높은 옥타브를 울립니다. 세 번째 고조파는 문자열을 세 번째 고조파로 나누고 기본 위의 옥타브와 다섯 번째 소리를 내고, 네 번째 고조파는 문자열을 분기로 나눠서 첫 번째 위의 두 옥타브를 울립니다. 두 번째 고조파의 소리는 모든 후속 짝수 고조파 (4 번째, 6 번째 등)가있는 공통 노드이기 때문에 모두 가장 선명합니다. 세 번째이자 이어지는 홀수 번호 고조파는 문자열을 홀수 수의 진동 부분으로 나누고 다른 고조파와 많은 노드를 공유하지 않기 때문에 재생하기가 더 어렵습니다.

인공 고조파는 스트링을 멈추고 정지 된 음에서 고조파를 연주하는 것을 포함하기 때문에 자연 고조파보다 생산하기가 더 어렵습니다. 네 번째 손가락이 정지 된 음보다 네 번째 높은 문자열을 만지는 네 번째 손가락과 함께 옥타브 프레임 (주어진 위치에서 첫 번째와 네 번째 손가락 사이의 정상 거리)을 사용하면 정지 된 메모 위의 네 번째 고조파 인 두 옥타브가 생성됩니다. 손가락 배치와 압력, 활 속도, 압력 및 사운딩 포인트는 모두 원하는 고조파를 사운드로 만드는 데 필수적입니다. 그리고 도전에 추가하려면, 거짓 고조파로 연주되는 다른 음표가있는 구절에서, 음표 사이의 간격이 문자열의 길이에 따라 변하기 때문에 정지 손가락과 고조파 손가락 사이의 거리가 끊임없이 바뀌어야합니다.

고조파 손가락은 또한 눌린 음표 위의 주요 세 번째 (다섯 번째 고조파) 또는 다섯 번째 높은 음표 (세 번째 고조파)에서 만질 수 있습니다. 이러한 고조파는 덜 일반적으로 사용됩니다. 메이저 써드의 경우, 정지 음표와 터치된 음표가 모두 약간 날카롭게 재생되어야 하며, 그렇지 않으면 고조파가 쉽게 말하지 않습니다. 다섯째의 경우, 스트레칭은 많은 바이올리니스트들에게 편안한 것보다 큽니다. 일반적인 레퍼토리에서는 여섯 번째보다 작은 분수는 사용되지 않는다. 그러나 여덟 번째까지의 분할이 때때로 사용되며, 좋은 악기와 숙련 된 선수가 주어지면 열두 번째만큼 작은 분할이 가능합니다. 바이올린 고조파에 대한 연구에만 전념하는 몇 권의 책이 있습니다. 두 개의 포괄적 인 작품은 1928 년 Simrock이 출판 한 Henryk Heller의 일곱 권의 고조파 이론과 1934 년 Ricordi가 출판 한 Michelangelo Abbado의 다섯 권의 Tecnica dei suoni armonici입니다.

인공 고조파의 정교한 구절은 거장 바이올린 문학, 특히 19 세기와 20 세기 초반에서 찾을 수 있습니다. 이것의 두 가지 주목할만한 예는 Vittorio Monti의 Csárdás의 전체 섹션과 Pyotr Ilyich Tchaikovsky의 바이올린 협주곡의 세 번째 운동의 중간을 향한 구절입니다. 파가니니의 바이올린 협주곡 1번 세 번째 무브먼트의 한 부분은 고조파의 더블 스톱 세번째 곡으로 구성되어 있습니다.

끈이 낡고 더럽고 오래되면 고조파가 더 이상 피치에서 정확하지 않을 수 있습니다. 이러한 이유로 바이올리니스트들은 정기적으로 현을 바꿉니다.

오른손과 톤 색상
현은 오른손이 잡은 활의 머리카락을 그리거나 (arco) 오른손으로 가장 자주 뽑아서 (pizzicato) 소리를 낼 수 있습니다. 어떤 경우에는 바이올리니스트가 왼손으로 끈을 뽑을 것입니다. 이것은 피자 카토에서 아르코 연주로의 전환을 용이하게하기 위해 수행됩니다. 그것은 또한 일부 거장 쇼피스에서 사용됩니다. 왼손 피자 카토는 일반적으로 열린 문자열에서 이루어집니다. Pizzicato는 모든 바이올린 가족 악기에 사용됩니다. 그러나 고급 피자 카토 기술에 대한 체계적인 연구는 악기가 거의 독점적으로 뽑히는 스타일 인 재즈베이스에서 가장 많이 개발되었습니다.

오른팔, 손, 활 및 활 속도는 음색의 품질, 리듬, 역동성, 관절 및 음색의 대부분의 (전부는 아니지만) 변화를 담당합니다. 플레이어는 현 위에 활을 그려 끈이 진동하고 지속적인 톤을 생성합니다. 활은 긴장 된 말꼬리 머리카락이있는 나무 막대기로, 로진 막대로 장미 빛깔을 띠고 있습니다. 말머리의 자연스러운 질감과 로진의 끈적 거림은 활이 끈을 "잡는"데 도움이되므로 활이 현 위에 그려지면 활이 끈을 울리게합니다.

Bowing은 오랫동안 지속 된 음이나 멜로디를 생성하는 데 사용할 수 있습니다. 스트링 섹션을 사용하면 섹션의 플레이어가 다른 시간에 활을 변경하면 메모가 끝없이 지속 가능한 것처럼 보일 수 있습니다. 또한 활은 반복되는 음표, 비늘 및 아르페지오와 같은 짧고 선명한 작은 음표를 연주하는 데 사용할 수 있으며 다양한 스타일의 음악에서 추진력있는 리듬을 제공합니다.

보잉 기술
활 기술의 가장 필수적인 부분은 활 그립입니다. 일반적으로 개구리와 활의 권선 사이의 작은 영역에서 엄지 손가락이 구부러져 있습니다. 다른 손가락은 활의 윗부분에 다소 고르게 퍼집니다. 분홍색 손가락은 나사 옆의 나무에 놓인 손가락 끝으로 말립니다. 바이올린은 더 큰 활 속도 또는 현에 더 많은 무게로 더 큰 음표를 생성합니다. 두 가지 방법은 서로 다른 음색을 생성하기 때문에 동일하지 않습니다. 현을 누르면 더 가혹하고 강렬한 소리가 나는 경향이 있습니다. 활을 다리에 더 가깝게 배치하여 더 큰 소리를 낼 수도 있습니다.

활이 현과 교차하는 사운딩 포인트는 음색 (또는 "톤 색상")에도 영향을 미칩니다. 다리 (sul ponticello)에 가깝게 연주하면 평소보다 더 강렬한 사운드를 내며 더 높은 고조파를 강조합니다. 손가락 판 끝 부분에 활을 가지고 노는 것 (sul tasto)은 기본 주파수를 강조하면서 섬세하고 미묘한 소리를 냅니다. 스즈키 신이치(Shinichi Suzuki)는 사운딩 포인트를 크라이슬러 고속도로(Kreisler highway)라고 불렀다. 다른 소리 나는 지점을 고속도로의 차선으로 생각할 수도 있습니다.

활로 공격하는 다양한 방법은 다른 관절을 생성합니다. 모든 범위의 연주 스타일을 허용하는 많은 활 기술이 있습니다. 많은 교사, 연주자 및 오케스트라는 기술을 개발하고 그룹 내에서 통일 된 기술을 만드는 데 많은 시간을 소비합니다. 이러한 기술에는 레가토 스타일의 활 (멜로디에 적합한 부드럽고 연결된 지속적인 사운드), 콜레 및 리코쳇, 소틸레, 마르텔레, 스피카토 및 스타카토를 포함한 짧은 음표를 생성하는 다양한 활이 포함됩니다.

피치카토
작곡 음악에 pizz.(피지카토의 약어)로 표시된 음표는 절하기보다는 오른손의 손가락으로 현을 뽑아서 연주해야 한다. (집게 손가락이 가장 일반적으로 사용됩니다.) 때로는 활 손이 점유되어있는 오케스트라 부분 또는 거장 솔로 음악에서 (또는 과시 효과를 위해), 왼손 피자 카토는 음표 아래 또는 위에 + (더하기 기호)로 표시됩니다. 왼쪽 피자 카토에서는 두 손가락이 끈에 놓입니다. 하나는 (일반적으로 인덱스 또는 가운데 손가락) 올바른 메모에 넣어지고 다른 하나는 (일반적으로 반지 손가락 또는 작은 손가락) 메모 위에 놓습니다. 그런 다음 높은 손가락은 끈을 뽑고 아래쪽 손가락은 계속 켜져 있으므로 올바른 피치를 생성합니다. 뽑기의 힘을 증가시킴으로써 문자열이 생성되는 메모의 볼륨을 늘릴 수 있습니다. Pizzicato는 오케스트라 작품과 솔로 쇼피스에서 사용됩니다. 오케스트라 파트에서 바이올리니스트들은 종종 아르코에서 피지카토로 매우 빠르게 이동해야 하며, 그 반대의 경우도 마찬가지입니다.

콜 레그노
작곡 음악에서 col legno (이탈리아어로 "나무와 함께")를 표시하면 활의 머리카락을 현을 가로 질러 그리기보다는 활의 막대기로 현을 치는 것이 필요합니다. 이 굽힘 기술은 다소 드물게 사용되며 음소거 된 타악기 소리를 유발합니다. 콜 레그노를 연주하는 바이올린 섹션의 섬뜩한 품질은 일부 교향곡 작품, 특히 Berlioz의 심포니 판타스티크의 마지막 움직임의 "마녀의 춤"에서 활용됩니다. Saint-Saëns의 교향곡시 Danse Macabre에는 춤추는 해골의 소리를 모방하기 위해 col legno 기술을 사용하는 현악 섹션이 포함되어 있습니다. 구스타프 홀스트의 "The Planets"의 "Mars"는 col legno를 사용하여 반복되는 리듬을 연주합니다. 54
 시간 서명. Benjamin Britten의 The Young Person's Guide to the Orchestra는 "타악기"변형에서 그 사용을 요구합니다. 드미트리 쇼스타코비치(Dmitri Shostakovich)는 '산테 감옥에서' 운동에서 열네 번째 심포니에서 그것을 사용한다. 그러나 일부 바이올리니스트들은 마무리를 손상시키고 훌륭한 활의 가치를 손상시킬 수 있기 때문에 이러한 스타일의 연주에 반대하지만, 대부분은 문제의 통로 기간 동안 적어도 값싼 활을 사용하여 타협 할 것입니다.

분리
활 속도와 무게가 스트로크의 시작부터 끝까지 동일한 부드럽고 균일 한 스트로크. [35]

마르텔레
말 그대로 망치질, 각 활 스트로크를 강력하고 갑자기 풀어서 생성 된 강하게 강조 된 효과. 마르텔레는 활의 어느 부분에서나 연주 할 수 있습니다. 그것은 때때로 화살촉에 의해 쓰여진 음악에서 표시됩니다.

트레몰로
Tremolo는 매우 빠른 반복 (일반적으로 단일 음표이지만 때로는 여러 음표)으로 일반적으로 활 끝에서 재생됩니다. Tremolo는 메모의 줄기를 가로 질러 세 개의 짧고 기울어 진 선으로 표시됩니다. 트레몰로는 오케스트라 음악, 특히 낭만주의 음악 시대 (1800-1910)와 오페라 음악에서 음향 효과로 자주 사용됩니다.

음소거 또는 소르디노

Ad Hoc clothespin 음소거 및 고무 연습 음소거
바이올린의 다리에 음소거 또는 소르디노라고 불리는 작은 금속, 고무, 가죽 또는 나무 장치를 부착하면 더 부드럽고 부드러운 톤을 제공하며 가청 오버톤이 적습니다. 음소거로 연주하는 오케스트라 문자열 섹션 전체의 사운드는 조용한 품질을 가지고 있습니다. 음소거는 바이올린의 음량과 음색 ( "톤 색상")을 모두 변경합니다. 음소거 사용에 대한 기존의 이탈리아어 표시는 con sord., 또는 con sordino이며, 이는 '음소거 상태'를 의미합니다. 그리고 senza sord., '음소거 없이'를 의미합니다. 또는 sord.를 통해 '음소거'를 의미합니다.

더 큰 금속, 고무 또는 나무 음소거는 연습 음소거 또는 호텔 음소거로 알려진 널리 사용할 수 있습니다. 이러한 음소거는 일반적으로 공연에 사용되지 않지만 호텔 객실과 같은 연습 영역에서 바이올린의 소리를 없애는 데 사용됩니다. (연습 목적을 위해 음소거 바이올린, 사운드 박스가없는 바이올린도 있습니다.) 일부 작곡가들은 예를 들어 Luciano Berio의 Sequenza VIII 끝에 솔로 바이올린을 위해 연습 음소거를 특수 효과로 사용했습니다.

음악 스타일
주요 기사: 음악 작풍 (바이올린)
클래식
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바로크 작곡가 Telemann의 두 바이올린을위한 소나타. 비교적 전형적인 바로크 양식의 바이올린 작곡으로, 원래 비브라토를 덜 사용하여 연주되었을 것입니다.
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Mischa Elman은 1919 년에 녹음 된 Massenet의 오페라 Thais에서 명상을 연주합니다. 포르타멘토, 루바토, 비브라토를 호화롭게 사용하고 악기의 높은 레지스터를 사용하는 매우 레가토 스타일의 연주는 낭만주의 후기 시대에 바이올린이 연주되는 전형적인 것입니다.
바로크 시대 이래로, 바이올린은 여러 가지 이유로 클래식 음악에서 가장 중요한 악기 중 하나였습니다. 바이올린의 음색은 다른 악기보다 두드러져 멜로디 라인을 연주하는 데 적합합니다. 좋은 연주자의 손에서 바이올린은 매우 민첩하며 빠르고 어려운 일련의 음표를 실행할 수 있습니다.

바이올린은 오케스트라의 많은 부분을 구성하며 일반적으로 첫 번째 바이올린과 두 번째 바이올린으로 알려진 두 개의 섹션으로 나뉩니다. 작곡가들은 종종 멜로디를 첫 번째 바이올린에 할당하는데, 일반적으로 더 높은 위치를 사용하는 것이 더 어려운 부분입니다. 대조적으로, 두 번째 바이올린은 하모니, 반주 패턴 또는 멜로디가 첫 번째 바이올린보다 낮은 옥타브를 연주합니다. 현악 사중주에는 마찬가지로 첫 번째와 두 번째 바이올린을위한 부분뿐만 아니라 비올라 부분과 첼로 또는 드물게 더블 베이스와 같은베이스 악기가 있습니다.

재즈
바이올린을 솔로 악기로 사용하는 재즈 공연에 대한 가장 초기의 언급은 20 세기의 첫 수십 년 동안 문서화됩니다. 최초의 재즈 바이올리니스트 중 한 명인 조 베누티(Joe Venuti)는 1920년대 기타리스트 에디 랭(Eddie Lang)과 함께 작업한 것으로 유명하다. 그 이후로 Stéphane Grappelli, Stuff Smith, Eddie South, Regina Carter, Johnny Frigo, John Blake, Adam Taubitz, Leroy Jenkins 및 Jean-Luc Ponty를 포함한 많은 즉흥적 인 바이올리니스트가 있습니다. 주로 재즈 바이올리니스트는 아니지만 Darol Anger와 Mark O'Connor는 재즈를 연주하면서 경력의 상당 부분을 보냈습니다. 스위스-쿠바 바이올리니스트 Yilian Cañizares는 재즈와 쿠바 음악을 믹스합니다. [36]

바이올린은 또한 많은 재즈 녹음에 오케스트라 배경을 제공하는 앙상블에 나타납니다.

인도 클래식 음악
인도 바이올린은 본질적으로 서양 음악에서 사용되는 악기와 동일하지만 어떤 의미에서는 다릅니다. [37] 악기는 IV와 III 현 (서양 튜닝 바이올린의 G 및 D)과 II 및 I (A 및 E) 현이 sa-pa (do-sol) 쌍이고 소리가 같지만 옥타브에 의해 상쇄되도록 조정되어 G3-D4-G4-D5 또는 A3-E4-A4-E5와 같은 일반적인 스코다투라 또는 바이올린 크로스 튜닝과 유사합니다. 토닉 sa (do)는 고정되어 있지 않지만 보컬리스트 또는 리드 플레이어를 수용하기 위해 다양하게 조정됩니다. 음악가가 악기를 잡는 방식은 서양 음악에서 인도 음악에 이르기까지 다양합니다. 인도 음악에서 음악가는 오른발로 다리를 건너 바닥에 앉아 있습니다. 악기의 두루마리는 발에 달려 있습니다. 이 위치는 인도 음악의 특성으로 인해 잘 연주하는 데 필수적입니다. 손은 손가락 판 전체를 움직일 수 있으며 왼손에는 정해진 위치가 없으므로 바이올린이 꾸준하고 움직이지 않는 위치에 있어야합니다.

대중 음악

이 섹션은 확인을 위해 추가 인용이 필요합니다. 신뢰할 수있는 출처에 인용을 추가하여이 기사를 개선하는 데 도움을주십시오. 출처가 없는 자료는 이의를 제기하고 제거할 수 있습니다. (2014년 9월) (이 템플릿 메시지를 제거하는 방법 및 시기 알아보기)

바이올린을 가진 앤드류 버드, 2009.

린지 스털링 TEDx 버클리에서 공연, 2012.

에릭 스탠리는 TEDx 리치몬드에서 공연, 2013.
적어도 1970 년대까지, 대중 음악의 대부분의 유형은 활 현악기 섹션을 사용했습니다. 그들은 1920 년대와 1930 년대 초반에 걸쳐 대중 음악에 광범위하게 사용되었습니다. 그러나 1935 년부터 1945 년까지 스윙 음악이 등장하면서 현악기 사운드는 종종 빅 밴드 음악의 충만 함을 더하는 데 사용되었습니다. 스윙 시대에 이어 1940 년대 후반부터 1950 년대 중반까지 전통적인 팝 음악에서 현악기가 부활하기 시작했습니다. 이러한 경향은 1960 년대 후반에 가속화되었으며, 특히 소울 음악에서 현악기 사용이 크게 부활했습니다. 1960 년대 후반과 1970 년대의 인기있는 Motown 녹음은 상표 질감의 일부로 문자열에 크게 의존했습니다. 1970 년대 디스코 음악의 부상은 인기있는 디스코 오케스트라 (예 : Love Unlimited Orchestra, Biddu Orchestra, Monster Orchestra, Salsoul Orchestra, MFSB)에서 현악기를 많이 사용하면서 이러한 추세를 계속했습니다. [인용 필요]

1980년대에 전자적으로 만들어진 음악이 등장하면서 바이올린의 사용이 줄어들었고, 신디사이저와 함께 키보드 연주자가 연주하는 합성 현악기 사운드가 자리를 잡았습니다. 그러나 바이올린은 주류 록 음악에서 거의 사용되지 않았지만 프로그레시브 록 (예 : 일렉트릭 라이트 오케스트라, 킹 크림슨, 캔자스, 젠틀 자이언트)의 역사가 있습니다. 이탈리아의 RDM의 1973 년 앨범 Contaminazione은 피날레 ( "La grande fuga")에서 신디사이저와 바이올린을 연주합니다. [인용 필요] 이 악기는 현대 재즈 퓨전 밴드, 특히 The Corrs에서 더 강한 위치를 차지합니다. 바이올린은 때때로 Fairport Convention 및 Steeleye Span과 같은 사람들이 보여주는 것처럼 영국 민속 록 음악의 일부입니다. [인용 필요]

20 세기 말에 시작된 크로스 오버 음악의 인기로 인해 바이올린은 대중 음악 분야로 다시 돌아 왔으며 전기 및 어쿠스틱 바이올린은 대중 밴드에서 사용되었습니다. 데이브 매튜스 밴드는 바이올리니스트 보이드 틴슬리가 출연한다. 무리는 바이올리니스트 제리 굿맨이 등장하여 나중에 재즈 록 퓨전 밴드 인 Mahavishnu Orchestra에 합류했습니다. 기타리스트이기도 한 야고보의 사울 데이비스는 바이올리니스트로 밴드에 입대했다. 처음 세 개의 앨범과 관련 싱글에서 영국 그룹 No-Man은 밴드 멤버 Ben Coleman (바이올린을 독점적으로 연주 한)이 연주 한 전기 및 어쿠스틱 솔로 바이올린을 광범위하게 사용했습니다. [인용 필요]

팝 펑크 밴드 옐로 카드 (Yellowcard)는 음악에서 바이올린의 주류를 이루었습니다. 바이올리니스트 숀 맥킨은 1997년부터 밴드의 멤버로 활동하고 있다. 로스 살바도레스는 또한 펑크와 스카의 영향을 바이올린과 결합합니다. [인용 필요] 둠 메탈 밴드 My Dying Bride는 많은 앨범에서 바이올린을 라인업의 일부로 사용했습니다. [인용 필요] 바이올린은 스페인 민속 금속 그룹 Mägo de Oz (예 : 1998 년 히트 곡 "Molinos de viento")의 음악에서 두드러지게 나타납니다. 바이올리니스트 (Carlos Prieto, 일명 "모하메드")는 1992 년부터 팬들에게 가장 인기있는 멤버 중 한 명입니다. [인용 필요] 이 악기는 교향곡 금속, 특히 Therion, Nightwish, Within Temptation, Haggard 및 Epica와 같은 밴드에서도 자주 사용되지만 Tristania 및 Theater of Tragedy와 같은 고딕 금속 밴드에서도 볼 수 있습니다. [인용 필요] 대체 록 밴드 Hurt의 보컬리스트는 밴드를 위해 바이올린을 연주하여 세션 작업자를 고용하지 않고도 바이올린을 선보일 수있는 몇 안되는 록 밴드 중 하나입니다. [인용 필요] 포크 메탈 밴

Owen Pallett, The Shondes, Andrew Bird와 같은 독립 예술가들도 악기에 대한 관심을 불러 일으켰습니다. [40] 인디 밴드는 종종 새롭고 특이한 편곡을 받아 들여 많은 주류 음악 아티스트보다 바이올린을 자유롭게 연주 할 수있게했습니다. 그것은 A Genuine Freakshow, Sigur Rós, Zox, Broken Social Scene 및 A Silver Mt. Zion과 같은 밴드에 의해 포스트 록 장르에서 사용되었습니다. 전기 바이올린은 키보드 기반 음악의 맥락에서 The Crüxshadows와 같은 밴드에서도 사용되었습니다. [인용 필요] 린지 스털링은 전자/더빙스텝/트랜스 균열 및 비트와 함께 바이올린을 연주합니다. [41][인용 필요]

에릭 스탠리는 힙합 음악/팝/클래식 요소와 기악 비트로 바이올린을 즉흥적으로 연주합니다. [42][43] 성공적인 인디 록과 바로크 팝 밴드 아케이드 파이어는 바이올린을 광범위하게 사용한다. [44] 인도, 터키, 아랍 팝 음악은 독창자와 앙상블 모두 바이올린의 소리로 가득 차 있습니다. [인용 필요]

민속 음악과 바이올린
주요 기사: 피들

1904년 안데르스 조른이 그린 바이올린 힌스 앤더스 어슨(Hins Anders Ersson)
클래식 음악에 사용 된 다른 많은 악기와 마찬가지로 바이올린은 민속 음악에 사용 된 먼 조상의 후손입니다. 르네상스 시대 후반, 주로 이탈리아에서 집중적 인 발전 단계에 이어 바이올린은 미술 음악에서 매우 중요한 악기가되었을뿐만 아니라 민속 음악가들에게도 매우 매력적으로 판명되어 궁극적으로 매우 널리 퍼져 때로는 이전의 활을 구부린 악기를 대체했습니다. 민족 음악 학자들은 유럽, 아시아 및 미주에서 널리 사용되는 것을 관찰했습니다.

민속 악기로 연주 될 때, 바이올린은 일반적으로 영어로 바이올린이라고합니다 (바이올린이라는 용어는 음악 장르에 관계없이 비공식적으로 사용될 수 있지만). 전 세계적으로 휠 바이올린과 아파치 바이올린과 같은 다양한 현악기가 있으며 "바이올린"이라고도합니다. 바이올린 음악은 곡이 일반적으로 댄스 음악으로 간주된다는 점에서 클래식과 다릅니다.45) 특정 스타일에 특유한 드로닝, 셔플링 및 장식과 같은 다양한 기술이 사용됩니다. 민속 음악의 많은 전통에서, 곡은 쓰여진 것이 아니라 연속적인 세대의 음악가들에 의해 암기되고 구전 전통으로 알려진 곳에서 전달된다[45]. 많은 오래된 조각은 크로스 튜닝 또는 표준 GDAE 이외의 튜닝을 요구합니다. 미국 스타일의 민속 바이올린 (예 : 블루 그래스 또는 구식)의 일부 플레이어는 다리의 상단 가장자리를 약간 평평한 곡선으로 자르므로 "이중 셔플"과 같은 기술을 활 팔에 덜 부담스럽게합니다. 솔리드 스틸 코어 스트링을 사용하는 피들러는 많은 클래식 플레이어가 사용하는 E 스트링의 단일 미세 튜너 대신 네 개의 스트링 모두에 미세 튜너가있는 테일 피스를 사용하는 것을 선호 할 수 있습니다.

아랍어 음악
아랍어 라바바뿐만 아니라 바이올린은 아랍 음악에 사용되었습니다.

전기 바이올린
주요 기사: 전기 바이올린

어쿠스틱 및 전기 바이올린
전기 바이올린에는 스트링 진동을 전기 신호로 변환하는 자기 또는 압전 픽업이 있습니다. 패치 케이블 또는 무선 송신기는 PA 시스템의 증폭기로 신호를 보냅니다. 전기 바이올린은 일반적으로 그렇게 구성되지만 픽업은 기존의 어쿠스틱 바이올린에 추가 할 수 있습니다. 전기 요소와 독립적으로 청취 수준의 사운드를 생성하는 공명 몸체를 가진 전기 바이올린은 전자 어쿠스틱 바이올린이라고 할 수 있습니다. 어쿠스틱 바이올린으로서 효과적이기 위해, 전자 어쿠스틱 바이올린은 바이올린의 공명 몸체의 대부분을 유지하며, 종종 어쿠스틱 바이올린이나 바이올린과 닮았다. 몸체는 밝은 색상으로 완성되고 목재에 대체 재료로 만들 수 있습니다. 이러한 바이올린은 악기 증폭기 또는 PA 시스템에 연결해야 할 수도 있습니다. 일부 유형에는 플레이어가 바이올린에 연결된 헤드폰을 사용할 수있는 자동 옵션이 있습니다. 최초의 특수 제작 된 전기 바이올린은 1928 년으로 거슬러 올라가며 Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner, George Beauchamp, Hugo Benioff 및 Fredray Kislingbury가 제작했습니다. 이 바이올린은 왜곡, wah-wah 페달 및 리버브를 포함한 일렉트릭 기타와 마찬가지로 효과 단위에 연결할 수 있습니다. 전기 바이올린은 소리를 증폭시키기 위해 현악기 긴장과 공명에 의존하지 않기 때문에 더 많은 현을 가질 수 있습니다. 예를 들어, 다섯 줄의 전기 바이올린은 여러 제조업체에서 구할 수 있으며 일곱 개의 현악기 전기 바이올린 (첼로의 범위를 포괄하는 세 개의 낮은 문자열이 있음)도 사용할 수 있습니다. [46] 최초의 전기 바이올리니스트의 대다수는 재즈 퓨전 (예 : Jean-Luc Ponty)과 대중 음악을 연주하는 음악가였습니다.

바이올린 인증
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바이올린 인증은 바이올린의 제작자와 제조 날짜를 결정하는 과정입니다. 이 과정은 예술 작품의 출처를 결정하는 데 사용 된 과정과 유사합니다. 이것은 중요한 과정이 될 수 있는데, 이는 중요한 가치가 특정 제작자에 의해 또는 특정 시간과 장소에서 만들어진 바이올린에 부착될 수 있기 때문이다. 위조 및 기타 사기성 허위 진술 방법을 사용하여 도구의 가치를 부풀릴 수 있습니다.

바로크 바이올린
베이스 바이올린
첼로 록
하리스크 바이올린
콘트라
Låtfiol
솔로 바이올린 작품 목록
니켈하르파
파가니니
라베카
라바나하타
스트라디바리우스
현악기
스트로 바이올린
바이올린 음향
바이올린 협주곡
바이올린 제작 및 유지 보수
바이올린 소나타
다섯 현악 바이올린
노트
 바이올리노 피콜로와 포체트를 포함한 더 작은 바이올린 유형의 악기가 존재하지만 사실상 사용되지 않습니다.
알렌, 에드워드 헤론 (1914). 바이올린 만들기, 그랬던 그대로, 그리고 있는 그대로: 바이올린 제작자와 연주자, 아마추어와 프로페셔널의 사용을 위해 바이올린 제작의 과학과 예술에 관한 역사적, 이론적, 실용적인 논문이 되는 것. 바이올린에 대한 에세이와 악기로서의 지위에 선행. E. 하우. 2015년 9월 5일에 액세스했습니다.
 Choudhary, S.Dhar (2010). 악기로서의 바이올린의 기원과 진화와 인도 클래식 음악의 진보적 인 흐름에 대한 기여 : 바이올린의 역사적 뿌리를 찾아서. Ramakrisna Vedanta Math. ISBN 978-9380568065. 2015년 9월 5일에 확인함.
 Belluck, Pam (2014년 4월 7일). "스트래드? 바이올리니스트들은 말할 수 없다". 뉴욕 타임즈. 2014년 4월 9일에 확인함.

크리스토퍼 조이스 (2012). "더블 블라인드 바이올린 테스트 : 당신은 스트라드를 선택할 수 있습니까?". NPR입니다. 2012년 1월 2일에 확인함.
 "바이올린". www.etymonline.com. 온라인 어원 사전. 2017년 5월 20일에 확인함.
 "비올라". www.etymonline.com. 온라인 어원 사전. 2017년 5월 20일에 확인함.
 "바이올린". www.etymonline.com. 온라인 어원 사전. 2017년 5월 20일에 확인함.
 실크로드 : 문화 연결, 신뢰 창출, 실크로드 스토리 2 : Bowed Instruments, 스미소니언 민속 생활 및 문화 유산 센터 [1] 웨이백 머신에서 2008-10-13 보관 (액세스 2008-09-26)
 호프만, 마일즈 (1997). NPR 클래식 음악 동반자 : A에서 Z까지의 용어와 개념. 휴튼 미플린 하코트. ISBN 978-0618619450.
 그릴렛 1901, p. 29
 마가렛 J. 카르토미: 악기의 개념과 분류에 관하여. 시카고 민족 음악학 연구, 시카고 대학 출판부, 1990
 "랍밥". 브리태니카 백과사전. 2019년 4월 6일에 확인함.
 "리라 | 악기". 브리태니카 백과사전. 2019년 4월 6일에 확인함.
 파넘, 호텐세 (1939). "중세 시대의 현악기, 진화와 발전". 런던 : 윌리엄 리브스 : 434.
 아르켄베르크, 레베카 (2002년 10월). "르네상스 바이올린". 메트로폴리탄 미술관. 2006년 9월 22일에 확인함.
 데베리히, 로빈 케이 (2006). "바이올린의 역사적 배경". ViolinOnline.com. 2006년 9월 22일에 확인함.
 바트럽, 윌리엄. "바이올린의 역사". 2007년 2월 8일에 원본 문서에서 보존된 문서. 2006년 9월 22일에 확인함.
 현재 노르웨이 베르겐의 Vestlandske Kunstindustrimuseum에 있습니다.
 "안토니오 스트라디바리의 바이올린, 1716 (메시아; 라 메시, 살라뷰)". Cozio.com. 2008년 9월 26일에 확인함.
 케네디, 마이클 (2017). 옥스포드 음악 사전. 옥스포드 대학 출판부.
 피오 스테파노 (2012). 베니스의 바이올과 루트 메이커 1490 -1630. 베니스, 이탈리아 : 베니스 연구. 441쪽. ISBN 9788890725203.
 리처드 페라스. "바이올린은 1800 년까지 바뀝니다". 2006년 10월 29일에 확인함.
 "Stradivarius 바이올린은 자선 경매에서 £ 9.8m에 판매되었습니다". BBC 뉴스. 2011년 6월 21일. 2011년 6월 21일에 확인함.
 피스톤, 월터 (1955). 오케스트레이션, p.45.

Laird, Paul R. "Carleen Maley Hutchins' Work With Saunders". 《Carleen Maley Hutchins' Work With Saunders》. 미국의 바이올린 협회. 2008년 9월 26일에 확인함.
 The New Violin Family Association, Inc (2020-04-04). "새로운 바이올린 가족". 새로운 바이올린 가족.
 해변, 칼 (1938). 음악의 심리학, 224쪽. Kolinski, Mieczyslaw (Summer - Autumn, 1959)의 인용문. "A New Equidistant 12-Tone Temperament", p.210, Journal of the American Musicological Society, Vol. 12, No. 2/3, pp. 210-214.
 이튼, 루이 (1919). 바이올린. 제이콥스의 밴드 월간지, 볼륨 4. 52쪽. 2012년 11월 16일에 확인함.
 Bissing, Petrowitsch. 바이올린 비브라토 톤의 재배. 중앙 국가 음악 출판 회사. 2012년 11월 16일에 확인함.
 애플바움, 사무엘 (1957). 스트링 빌더, 책 3 : 교사 매뉴얼. 뉴욕 : 알프레드 출판. 4쪽. ISBN 978-0-7579-3056-0. . "이제 우리는 다음과 같은 방식으로 왼손의 흔들림을 규율 할 것입니다 : 8 번째 음표에서 손목을 천천히 그리고 고르게 흔드십시오. 원래 위치에서 시작하고 두 번째 8 번째 메모의 경우 손목이 뒤로 (스크롤 방향으로) 움직입니다. 이 작업은 트리플릿, 점선 8번째와 16번째, 16번째 음표에서 수행합니다. 일주일 또는 이틀 후, 비브라토는 바이올린에서 시작될 수 있습니다. ... 절차는 다음과 같습니다 : 1. 손가락 끝을 메모의이 직립 위치에서 손가락 끝으로이 메모의 피치 약간 아래로 굴립니다. "
 슐레스케, 마틴. "비브라토의 심리 음향 비밀". 2010년 2월 7일에 원본 문서에서 보존된 문서. 2010년 2월 11일에 확인함. 따라서, 각 고조파의 음향 레벨은 비브라토로 인해 주기적으로 변동하는 값을 가질 것이다.
 커틴, 조셉 (April 2000). "Weinreich and Directional Tone Colour". 《Weinreich and Directional Tone Colour》. 스트라드 매거진. 2009년 5월 29일에 원본 문서에서 보존된 문서. 2009년 5월 23일에 확인함. 그러나 현악기의 경우 방향성이 강할 뿐만 아니라 방향성의 패턴이 주파수에 따라 매우 빠르게 변합니다. 주어진 주파수에서 그 패턴을 포르큐핀의 퀼과 같은 소리의 표지로 생각한다면, 비브라토에 의해 생성 된 피치의 약간의 변화조차도 그 퀼이 지속적으로 물결 치게 할 수 있습니다.
 Weinreich, Gabriel (1996년 12월 16일). "방향 톤 색상"(PDF). 미국의 음향 학회. 이 효과는 여러 가지 고도의 지향성 사운드 비콘의 관점에서 시각화 될 수 있으며,이 모든 비브라토는 일관성 있고 고도로 조직 된 방식으로 앞뒤로 풀리게합니다. 그러한 현상이 다르게 지시 된 부분의 소리를 단일 청각 흐름으로 융합시키는 데 엄청난 도움이 될 것임은 분명합니다. 바이올리니스트들이 비브라토를 보편적으로 사용하는 이유라고 추측 할 수도 있습니다 - 바람 연주자와 비교했을 때, 악기 방향 톤 색상이 일반적으로 존재하지 않는 소리에서.
 피셔, 사이먼 (1999). "데타치". 스트라드. 110 : 638 - 음악 색인을 통해.

"Die Sängerin und Geigerin Yilian Cañizares in Moods". 《Moods》. Neue Zürcher Zeitung. 2013년 9월 16일. 2015년 6월 12일에 확인함.
 Bhattacharya, Suryasarathi (2017년 12월 10일). "바이올린 거장 L Subramaniam 박사가 인도 클래식 음악이 어떻게 세계 무대에 올랐는지에 대해". 첫 번째 게시물.
 "Ithilien - 음반, 라인업, 전기, 인터뷰, 사진". www.spirit-of-metal.com. 2017년 3월 12일에 확인함.
 "Ne Obliviscaris". 페이스 북.
 골든, 브라이언 (2017년 12월 5일). "앤드류 버드 (Andrew Bird)는 시카고에 그의 광범위한 사운드 교향곡을 가져옵니다". 시카고 매거진.
 Self, Brooke (April 9, 2011). "린지 스털링—힙합 바이올리니스트". 그녀의 캠퍼스. 2014년 12월 5일에 원본 문서에서 보존된 문서.
 티엣젠, 알렉사. "페티 왑의 "트랩 퀸"의이 바이올린 프리 스타일에서 당신의 삶을 얻으십시오. vh1.com. VH1. May 13, 2016에 확인함.
 마르티네즈, 마크 (2010년 10월 3일). "에릭 스탠리: 힙합 바이올리니스트". 폭스 10 뉴스 (인터뷰). 피닉스 : KTSP-TV. 2021년 10월 29일에 원본 문서에서 보존된 문서. 2014년 12월 11일에 확인함.
 "아케이드 파이어 - 최고 중 10 개". 가디언. 2019년 12월 12일에 확인함.
 해리스, 로저 (2009). "바이올린". okhistory.org. 오클라호마 역사와 문화의 백과사전. 2018년 2월 9일에 확인함.
 "7String 바이올린 할리퀸 피니쉬". 요르단 음악. 2009년 2월 27일에 원본 문서에서 보존된 문서. 2009년 2월 27일에 확인함.

서지학
베니스의 바이올과 루트 메이커 1490-1630, 스테파노 피오 (2012), 베네치아 에드 베니스 연구, ISBN 978-88-907252-0-3
바이올린과 베니스의 루트 메이커 1640-1760, 스테파노 피오 (2004), 베네치아 에드 베니스 연구, ISBN 978-88-907252-2-7
Liuteri & Sonadori, 베니스 1750-1870, Stefano Pio (2002), Venezia Ed. Venice 연구, ISBN 978-88-907252-1-0
안토니오 스트라디바리의 바이올린 형태, 스튜어트 폴렌스 (Stewart Pollens, 1992), 런던 : 피터 비둘프. ISBN 0-9520109-0-9
바이올린 연주와 가르침의 원리, 이반 갈라미안 (1999), 샤르 프로덕츠 (주) ISBN 0-9621416-3-1
현대 바이올린 : 확장 된 공연 기술, 패트리샤와 앨런 이상한 (2001), 캘리포니아 대학 출판부. ISBN 0-520-22409-4
바이올린: 그 역사와 만들기, 칼 로이 (2006), ISBN 978-1-4243-0838-5
The Fiddle Book, by Marion Thede (1970), Oak Publications. ISBN 0-8256-0145-2
라틴어 바이올린, 샘 바드펠드, ISBN 0-9628467-7-5
바이올린 문학의 캐논, Jo Nardolillo (2012), 허수아비 출판사. ISBN 0-8108-7793-7
바이올린 설명 - 구성 요소 메커니즘과 사운드 by James Beament (1992/1997), Clarendon Press. ISBN 0-19-816623-0
안토니오 스트라디바리, 그의 삶과 작품, 1644-1737', 윌리엄 헨리 힐; 아서 에프힐; 알프레드 엡스워스 힐 (1902/1963), 도버 출판물. 1963. OCLC 172278. ISBN 0-486-20425-1
바이올린의 백과사전, 알베르토 바흐만(Alberto Bachmann, 1965/1990), 다 카포 프레스(Da Capo Press). ISBN 0-306-80004-7
바이올린 - 그리고 쉬운 가이드, Chris Coetzee (2003), New Holland Publishers. ISBN 1-84330-332-9
바이올린, Yehudi Menuhin (1996), Flammarion. ISBN 2-08-013623-2
바이올린의 책, Dominic Gill (1984), Phaidon에 의해 편집됨. ISBN 0-7148-2286-8
바이올린 만들기, 그리고 에드워드 헤론-앨런 (1885/1994), 워드 락 리미티드. ISBN 0-7063-1045-4

Violins & Violinists, Franz Farga (1950), Rockliff Publishing Corporation Ltd.
바이올, 바이올린과 처녀, 제니퍼 A. 찰튼 (1985), Ashmolean 박물관. ISBN 0-907849-44-X
바이올린, 시어도어 롤랜드-엔트위슬 (1967/1974), 도버 출판물. ISBN 0-340-05992-3
The Early Violin and Viola, by Robin Stowell (2001), Cambridge University Press. ISBN 0-521-62555-6
완전한 루티에의 도서관. Roberto Regazzi, Bologna : Florenus, 1990의 Stringed and Plucked Instruments의 제작자와 감정가를위한 유용한 국제 비평 서지. ISBN 88-85250-01-7
바이올린, George Dubourg (1854), Robert Cocks & Co.
18 세기 후반과 19 세기 초반의 바이올린 기술 및 공연 연습, Robin Stowell (1985), Cambridge University Press. ISBN 0-521-23279-1
바이올린의 역사, 윌리엄 샌디스와 사이먼 앤드류 (2006), 도버 출판물. ISBN 0-486-45269-7
바이올린 : 연구 및 정보 가이드, Mark Katz (2006), Routledge. ISBN 0-8153-3637-3
Per gli occhi e 'l core. Flavio Dassenno의 Strumenti musicali nell'arte, (2004) 마지막 연구 및 문서에 의해 정의 된 브레시아 학교에 대한 완전한 조사.
Gasparo da Salò architetto del suono by Flavio Dassenno, (2009) 유명한 마스터 라이프와 작품에 대한 정보를 제공하는 전시회의 카탈로그, Comune di Salò, Cremonabooks, 2009.
그릴렛, 로랑 (1901). "Les ancetres du violon v.1". 파리.
추가 읽기
Lalitha, Muthuswamy (2004). 서양과 남부 인도 클래식 음악의 바이올린 기술 : 비교 연구. 선딥 프라카산. ISBN 9788175741515. OCLC 57671835.
Schoenbaum, David, The Violin: A Social History of the World's Most Versatile Instrument, New York, New York : W.W. Norton & Company, December 2012. ISBN 9780393084405.
템플턴, 데이비드, 신선한 왕자 : 작곡, 하이퍼 바이올린, 그리고 미래에 대한 조슈아 벨, 스트링 매거진, 2002 년 10 월, No. 105.
영, 다이애나. 바이올린 보우잉 기술의 측정을 통해 활 끈 연주를 조사하기위한 방법론. 박사 학위 논문. M.I.T., 2007.
외부 링크
위키미디어 공용에는 바이올린과 관련된 미디어가 있습니다.
바이올린 : 바이올린을 선택하는 방법, 그 기원과 가치
해리슨, 로버트 윌리엄 프레드릭 (1911). "바이올린". 브리태니카 백과사전. Vol. 28 (제 11 판). 102~107쪽.
바이올린 가족의 초기 역사에 대한 연구 (Carl Engel, 1883) - (인증 필요).
바이올린 연주의 새로운 역사 : 비브라토와 램버트 마스트의 혁명적 인 발견 (Zdenko Silvela 2001)