단순히 저음 (또는 다른 이름으로)으로도 알려진 더블 베이스는 현대 심포니 오케스트라에서 
가장 크고 낮은 피치의 활 (또는 뽑은) 현악기입니다 [1] (옥토베이스와 같은 정통적이지 않은 추가 제외). 
 첼로와 구조면에서 비슷하지만, 때로는 다섯 개의 문자열이 있지만 네 개의 문자열이 있습니다.

베이스는 바이올린, 비올라, 첼로, [3] 콘서트 밴드와 함께 오케스트라의 현악 섹션의 표준 멤버이며 
서양 클래식 음악의 협주곡, 솔로 및 챔버 음악에 등장합니다. [4] 저음은 재즈, 1950 년대 스타일의 블루스와 로큰롤, 
로커빌리, 사이코빌리, 전통 컨트리 음악, 블루 그래스, 탱고 및 민속 음악과 같은 다양한 장르에서 사용됩니다.

저음은 트랜스포징 장비이며 일반적으로 직원 아래의 과도한 원장 라인을 피하기 위해 튜닝 된 것보다 높은 옥타브 한 옥타브로 표시됩니다. 
더블 베이스는 다섯 번째가 아닌 네 번째[5](베이스 기타 또는 바이올과 같은)로 튜닝되는 유일한 현대 활 현악기로, 보통 E1, A1, D2 및 G2에 맞게 조정된 현악기입니다.

악기의 정확한 계보는 여전히 논쟁의 여지가 있으며, 학자들은 저음이 바이올이나 바이올린 가족에서 파생되었는지 여부에 대해 나뉘어져 있습니다.

더블베이스는 활 (arco) 또는 현 (피자 카토)을 뽑거나 다양한 확장 기술을 통해 연주됩니다. 
오케스트라 레퍼토리와 탱고 음악에서는 아르코와 피자카토가 모두 사용됩니다. 재즈, 블루스, 로커빌리에서는 피자카토가 표준입니다. 클래식 음악과 재즈는 전통적인 블루그래스와 마찬가지로 악기에 의해 음향적으로 생성되는 자연스러운 사운드를 사용합니다. 펑크, 블루스, 레게 및 관련 장르에서는 더블베이스가 종종 증폭됩니다.

이러한 메모를 플레이어에게 제공하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 표준 더블 베이스(E–A–D-G)를 가진 플레이어는 "E" 아래의 음표를 옥타브 더 높게 연주할 수도 있고, 
어색하게 들리면 전체 구절을 옥타브로 바꿀 수도 있습니다. 플레이어는 낮은 E 스트링을 조각에 필요한 가장 낮은 음표까지 조정할 수 있습니다 : 
D 또는 C. 네 문자열 저음에는 "low-C extension"(아래 참조)이 장착 될 수 있습니다. 또는 플레이어는 C로 조정 된 추가 하위 문자열, 
또는 (현대에 더 일반적으로) B, 세 옥타브 및 중간 C 아래의 세미톤과 함께 다섯 개의 현악기를 사용할 수 있습니다. 
몇몇 주요 유럽 오케스트라는 다섯 번째 현악기와 함께 베이스를 사용합니다. [23]

C 확장

C, D, E 또는 E♭에서 문자열을 멈추게하는 나무로 된 기계식 "손가락"이있는 낮은 C♯ 확장. 낮은 E로만 내려가는 오케스트라 구절의 경우, 너트의 "손가락"은 일반적으로 닫힙니다.
대부분의 전문 오케스트라 연주자는 C 확장자가 있는 네 개의 현악기 더블 베이스를 사용합니다. 이것은 저음의 
머리에 장착 된 핑거 보드의 추가 섹션입니다. 그것은 가장 낮은 문자열 아래에 손가락 보드를 확장하고 아래쪽 범위의 추가 네 개의 반음을 제공합니다. 
가장 낮은 문자열은 일반적으로 첼로에서 가장 낮은 음표 아래의 옥타브 인 C1로 조정됩니다 (저음 부분이 첼로 부분을 옥타브 아래로 두 배로 늘리는 것이 일반적이기 때문에). 더 드물게이 문자열은 낮은 B0으로 조정 될 수 있습니다, 오케스트라 레퍼토리의 일부 작품은 Respighi의 로마의 소나무와 같은 B를 요구합니다. 드문 경우지만, 일부 플레이어는 B가 가장 낮은 음표로 B 확장이 낮습니다. 확장에는 여러 종류가 있습니다.

가장 간단한 기계적 확장에는 E 메모의 잠금 너트 또는 "게이트"를 제외하고는 핑거 보드 확장에 부착 된 기계 보조 장치가 없습니다. 
확장 노트를 재생하려면 플레이어는 스크롤 아래의 영역 위로 다시 도달하여 문자열을 핑거 보드로 누릅니다. 이 "손가락으로"확장의 
장점은 플레이어가 확장에 정지 된 모든 음의 억양을 조정할 수 있으며 금속 키와 레버에서 기계적 소음이 없다는 것입니다. "손가락으로" 
확장의 단점은 G1과 D1을 빠르게 번갈아 가며 사용하는 베이스라인과 같이 확장의 낮은 음표와 일반 핑거보드의 메모 간에 빠른 교대를 수행하기가 어렵다는 것입니다.

기계 보조기구의 가장 간단한 유형은 끈을 누르고 C♯, D,♭ E 또는 E 노트를 두려워하기 위해 닫을 수있는 나무 "손가락"또는 "게이트"를 사용하는 것입니다. 
이 시스템은 낮은 D와 같은 반복되는 페달 포인트를 갖는 베이스 라인에 특히 유용한데, 그 이유는 일단 음표가 기계식 손가락으로 제자리에 고정되면 가장 
낮은 현이 열릴 때 다른 음표로 들리기 때문이다.

확장과 함께 사용하기 위한 가장 복잡한 기계적 보조 장치는 기계라는 별명을 가진 기계식 레버 시스템입니다. 바순과 같은 갈대 악기의 키잉 메커니즘과 
피상적으로 유사한이 레버 시스템은 일반 핑거 보드 옆에 레버를 장착합니다 (너트 근처, E 스트링 측면), 확장 핑거 보드의 금속 "손가락"을 원격으로 활성화합니다. 
가장 비싼 금속 레버 시스템은 또한 플레이어가 나무 "손가락"시스템과 마찬가지로 확장 핑거 보드의 노트를 "잠그는"기능을 제공합니다. 이러한 장치에 대한 한 
가지 비판은 원치 않는 금속 클릭 소음으로 이어질 수 있다는 것입니다.

나무 "손가락"확장 또는 금속 "손가락"기계 확장의 기계적 "손가락"이 잠겨 있거나 눌려지면 손으로 손가락으로 확장 할 수있는 것처럼 마이크로 톤 피치 
조정 또는 글리산도 효과를 만드는 것이 쉽지 않습니다.

가장 일반적인 유형의 확장은 C 확장이지만, 드물게 가장 낮은 문자열이 일반적으로 낮은 B0 인 다섯 개의 문자열 저음의 소유자는 낮은 A 또는 매우 
드문 낮은 G 확장을 제공하는 두 개의 세미톤 확장 중 하나를 사용할 수 있습니다.

소수의 베이스 연주자들은 첼로처럼 다섯 번째로 현을 조정하지만 옥타브 낮음(C1-G1–D2-A2는 낮음에서 높음)으로 조정합니다. 이 튜닝은 재즈 
연주자 레드 미첼 (Red Mitchell)이 사용했으며 일부 클래식 연주자, 특히 캐나다 베이시스트 조엘 쿼링턴 (Joel Quarrington)이 사용합니다. 베이스를 튜닝하는 옹호자들은 다른 모든 오케스트라 문자열이 다섯 번째 (바이올린, 비올라 및 첼로)로 조정되므로 저음을 동일한 튜닝 방식으로 조정한다고 지적합니다. 
다섯 번째 튜닝은 표준 E-A–D-G 베이스보다 더 넓은 범위의 피치를 제공하는 베이시스트에게 C1에서 A2까지의 범위(확장 없이)를 제공합니다. 
다섯 번째 튜닝을 사용하는 일부 플레이어는 다섯 번째 스트링 베이스를 연주하는 추가 높은 E3 스트링을 사용합니다 
(따라서 가장 낮은 것에서 가장 높은 것까지 C-G-D-A-E). 네 개의 현악기만 가지고 있고 주로 독창적인 작품을 연주하는 
다섯 번째 튜닝 베이시스트는 G-D-A-E 튜닝을 사용하므로 낮은 C 스트링은 생략하지만 높은 E를 얻습니다. 다섯 개의 스트링을 
사용하는 다섯 번째 튜닝 베이시스트는 더 작은 스케일의 악기를 사용하므로 핑거링이 다소 쉬워집니다. Berlioz-Strauss Treatise on Instrumentation 
(1844 년에 처음 출판 됨)은 "훌륭한 오케스트라는 여러 개의 네 현 더블 베이스를 가져야하며, 그 중 일부는 다섯 번째와 세 번째로 조정되어야합니다.
" 그런 다음 이 책에서는 E1–G1–D2–A2)를 아래에서 위쪽으로 튜닝하는 방법을 보여 줍니다. "네 번째로 튜닝 된 다른 더블 베이스와 함께 
열린 현악기의 조합을 사용할 수있어 오케스트라의 음향을 크게 높일 수 있습니다." 그러나 여섯 줄의 더블 베이스는 훨씬 더 큰 범위인 
다섯 번째 (C1-G1-D2-A2-E3-B3)로 조정할 수 있습니다. 

클래식 솔로 연주에서 더블베이스는 일반적으로 전체 톤을 더 높게 조정합니다 (F1-B1-E2-A2).♯ 이 높은 튜닝을 "솔로 튜닝"이라고하는 반면, 
일반 튜닝은 "오케스트라 튜닝"이라고합니다. 솔로 튜닝 문자열은 일반적으로 일반 문자열보다 얇습니다. 
현악 긴장은 솔로 튜닝과 오케스트라 튜닝 사이에 너무 많이 다르기 때문에 더 가벼운 게이지를 가진 다른 문자열 세트가 종종 사용됩니다. 
현악기는 항상 솔로 또는 오케스트라 튜닝을 위해 라벨이 지정되며 출판 된 솔로 음악은 솔로 또는 오케스트라 튜닝을 위해 배열됩니다. 
Koussevitsky 협주곡과 같은 인기있는 솔로와 협주곡은 솔로 및 오케스트라 튜닝 편곡으로 제공됩니다. 솔로 튜닝 문자열은 오케스트라 
피치에서 연주하기 위해 톤을 조정할 수 있지만 문자열은 종종 오케스트라 튜닝에서 프로젝션이 부족하고 피치가 불안정 할 수 있습니다.

일부 현대 작곡가들은 고도로 전문화 된 scordatura (의도적으로 열린 문자열의 튜닝을 변경)를 지정합니다. 열린 문자열의 피치를 변경하면 
페달 포인트와 고조파로 다른 노트를 사용할 수 있습니다. 예를 들어, Berio는 Sequenza XIVb에서 플레이어에게 문자열 E1-G1-D2-G2♯를 
조정하도록 요청하고 Scelsi는 Nuits에서 F1-A1-D2-E2와 F1-A1-F2-E2를 모두 요청합니다. [인용 필요] 일부 동유럽 국가에서 사용되는 변형적이고 
훨씬 덜 일반적으로 사용되는 솔로 튜닝 형식은 (A1-D2-G2-C3)이며, 오케스트라 튜닝에서 낮은 E 문자열을 생략 한 다음 높은 C 문자열을 추가합니다. 
다섯 개의 스트링 베이스를 가진 일부 베이시스트는 낮은 B0 스트링 대신 높은 C3 스트링을 다섯 번째 스트링으로 사용합니다. 높은 C 스트링을 
추가하면 높은 테시투라 (범위)로 솔로 레퍼토리의 성능을 용이하게합니다. 또 다른 옵션은 낮은 C (또는 낮은 B) 확장과 높은 C 문자열을 모두 활용하는 것입니다.


스트링이 있는 베이스를 선택할 때, 플레이어는 더 높은 피치 스트링(높은 C 스트링) 또는 낮은 피치 스트링(일반적으로 낮은 B)을 
추가할지 결정할 수 있습니다. 추가 다섯 번째 스트링을 수용하기 위해, 핑거 보드는 일반적으로 약간 넓어지고, 상단은 약간 두꺼워져 증가 된 장력을 처리합니다. 
따라서 대부분의 다섯 스트링 베이스는 표준 네 스트링 베이스보다 크기가 큽니다. 일부 다섯 현악기는 네 현악기로 변환됩니다. 
이들은 더 넓은 손가락 판을 가지고 있지 않기 때문에 일부 플레이어는 손가락과 절이 더 어렵다는 것을 알게됩니다. 변환 된 네 개의 문자열 저음은 
일반적으로 증가 된 장력을 보완하기 위해 새롭거나 두꺼운 상단 또는 더 가벼운 문자열이 필요합니다.

스트링 더블 베이스는 높은 C와 낮은 B를 모두 가지고있어 매우 유용하며 몇 가지 업데이트 후에 더욱 실용적으로 변하고 있습니다. 
솔로 및 오케스트라 연주에 이상적입니다.보다 연주 가능한 범위를 가지고 있기 때문입니다. 많은 사람들이 6 현 바이올론에서 
더블 베이스 스트링으로 다시 스트링하여 튜닝 B0-E1-A1-D2-G2-C3을 만들어서이를 달성했습니다.


몸과 손의 위치

프랑스 더블베이스 연주자이자 작곡가 르노 가르시아-폰스 공연 중
더블 베이시스트는 악기를 연주하기 위해 서거나 앉습니다. 악기 높이는 플레이어가 활이나 뽑는 손으로 현의 원하는 연주 영역에 도달 할 수 
있도록 엔드 핀을 조정하여 설정됩니다. 서서 활을 쏘는 베이시스트는 때때로 첫 번째 손가락을 눈높이와 함께 첫 번째 또는 절반 위치에 정렬하여 
엔드 핀을 설정하지만, 이와 관련하여 표준화는 거의 없습니다. 앉아있는 플레이어는 일반적으로 플레이어의 바지 밑아래 길이의 높이에 대한 의자를 사용합니다.

전통적으로 더블 베이시스트는 솔로로 연주하고 오케스트라 나 오페라 구덩이에서 연주하기 위해 앉아있었습니다. 이제 연주자가 두 포지션 
모두에서 똑같이 능숙한 것은 드문 일이므로 일부 솔리스트는 (Joel Quarrington, Jeff Bradetich, Thierry Barbé 및 다른 사람들과 마찬가지로) 앉아 있고 
일부 오케스트라 베이시스트가 서 있습니다.

악기의 상위 범위 (G3 위, 중간 C 아래의 G)에서 연주 할 때 플레이어는 엄지 손가락의 측면을 사용하여 끈을 눌러 목 뒤에서 손을 움직여 평평하게합니다. 
첼로에서도 사용되는이 기술을 엄지 손가락 위치라고합니다. 엄지 손가락 자세로 연주하는 동안 네 번째 (작은) 손가락을 사용하는 
플레이어는 거의 없지만 일반적으로 신뢰할 수있는 톤을 생성하기에는 너무 약하기 때문에 (첼리스트에게도 해당됩니다), 일부 극단적 인 코드 또는 확장 된 기술, 
특히 현대 음악에서는 사용이 필요할 수 있습니다.


Rockabilly 스타일은 Rockabilly가 손가락 판에 "때리기"를 사용하기 때문에 뽑는 손에 매우 까다로울 수 있습니다. 저음으로 연주하는 것은 스트링이
 상대적으로 높은 장력을 가지고 있기 때문에 물리적으로 까다로울 수 있습니다. 또한 스케일 길이와 스트링 간격으로 인해 손가락 보드의 음표 
사이의 공간이 넓기 때문에 플레이어는 낮은 위치의 노트에 대해 손가락을 벌리고 베이스 라인을 재생하려면 위치를 자주 이동해야합니다. 
모든 프렛팅되지 않은 현악기와 마찬가지로, 연주자는 정확한 피치를 만들기 위해 손가락을 정확하게 배치하는 법을 배워야합니다. 
팔이 짧거나 손이 작은 베이시스트의 경우, 피치 사이의 넓은 공간은 특히 음표 사이의 공간이 가장 큰 가장 낮은 범위에서 중요한 문제를 제기 할 수 있습니다. 
그러나 엄지 손가락 위치와 같은 연주 기술의 사용 증가와 저음에 대한 수정, 예를 들어 낮은 장력에서 더 가벼운 게이지 스트링의 사용과 같은 연주 기술의 사용이 증가하여 악기 연주의 어려움이 완화되었습니다.

베이스 부품은 상대적으로 빠른 통로, 더블 스톱 또는 넓은 점프가 있습니다. 이 부분은 일반적으로 첼로 섹션에 주어지며, 첼로는 이러한 기술이보다
 쉽게 수행되는 더 작은 도구이기 때문입니다.

1990년대까지만 해도 어린이 사이즈의 더블 베이스는 널리 보급되지 않았고, 저음의 크기가 커서 아이들이 3⁄4 사이즈 모델(가장 일반적인 사이즈)을
 연주할 수 있는 높이와 손 크기로 성장할 때까지 악기를 연주할 수 없었습니다. 1990년대부터는 더 작은 1⁄2, 1⁄4, 1⁄8, 심지어 1⁄16 크기의 악기도 더 널리 
보급되어 아이들이 더 젊어지기 시작할 수 있게 되었다.
볼륨
악기의 크기에도 불구하고, 그것은 낮은 음악 피치 때문에 다른 많은 악기만큼 크지 않습니다. 대형 오케스트라에서는 보통 네 명에서 여덟 명의 
베이시스트가 같은 베이스라인을 연주하여 충분한 볼륨을 만들어냅니다. 가장 큰 오케스트라에서베이스 섹션에는 열 명 또는 열두 명의 연주자가있을
 수 있지만 현대의 예산 제약으로 인해베이스 섹션이이 큰 드문 경우입니다.

오케스트라 또는 실내악에서 베이스에 대한 솔로 구절을 작곡할 때, 작곡가들은 일반적으로 오케스트레이션이 가벼워서 베이스를 가리지 않도록 합니다. 
클래식 음악에서는 증폭이 거의 사용되지 않지만, 베이스 솔리스트가 전체 오케스트라와 협주곡을 연주하는 경우도 있으며, 음향 향상이라는 
미묘한 증폭이 사용될 수 있습니다. 고전적인 환경에서 마이크와 앰프를 사용하면 클래식 커뮤니티 내에서 "... 순수주의자들은 주어진 
홀에서 [클래식] 목소리 [또는] 악기의 자연스러운 음향 사운드가 변경되어서는 안된다고 주장한다." [24]


사이코빌리 베이시스트 짐보 월리스가 호튼 히트 목사와 함께 무대에 올랐다. 15 인치 캐비닛, 쿼드러플 10 인치 캐비닛 및 
앰프 "헤드"로 구성된 그의 큰 저음 스택에 주목하십시오.
재즈와 블루스와 같은 많은 장르에서 플레이어는 특수 앰프와 라우드 스피커를 통해 증폭을 사용합니다. 압전 픽업은 1⁄4인치 패치 케이블로 증폭기에 연결됩니다.
 블루그래스와 재즈 연주자는 일반적으로 블루스, 사이코빌리 또는 잼 밴드 연주자보다 증폭을 덜 사용합니다. 후자의 경우, 
다른 증폭기 및 악기의 높은 전체 볼륨은 원치 않는 음향 피드백을 유발할 수 있으며, 이는 저음의 넓은 표면적과 내부 
볼륨에 의해 악화되는 문제입니다. 피드백 문제로 인해 전자 피드백 제거기 장치 (본질적으로 피드백이 발생하는 
주파수를 식별하고 줄이는 자동화 된 노치 필터)와 같은 기술적 인 수정과 이중 저음과 같은 연주 특성이 있지만 
일반적으로 사운드 박스가 거의 없거나 전혀없는 전기 직립 저음과 같은 악기가 발생하여 피드백 가능성이 적습니다. 
일부 베이시스트는 무대 위의 음량을 낮추거나 베이스 앰프 스피커에서 더 멀리 연주하여 피드백 문제를 줄입니다.
로커빌리와 사이코빌리에서, 타악기로 현을 손가락판에 대고 때리는 것은 베이스 연주 스타일의 중요한 부분입니다. 압전 픽업은 손가락 보드에 부딪히는 
현의 소리를 재현하는 데 좋지 않기 때문에이 장르의 베이시스트는 종종 압전 픽업 (저음 톤의 경우)과 소형 콘덴서 
마이크 (타악기 슬랩 소리를 들기 위해)를 모두 사용합니다. 
이 두 신호는 신호가 베이스 앰프로 전송되기 전에 간단한 믹서를 사용하여 함께 블렌딩됩니다.

늑대 톤 제거기는 다리와 꼬리 부분 사이의 문자열 부분에서 원치 않는 교감 진동을 줄이는 데 사용되어 특정 음표의 톤 문제를 일으킬 수 있습니다. 
측면에도 슬롯이있는 원통형 금속 슬리브와 함께 사용되는 측면을 잘라내는 고무 튜브입니다. 금속 실린더에는 
장치를 끈에 고정시키는 나사와 너트가 있습니다. 스트링을 따라 실린더의 다른 배치가 영향을 미치거나 늑대 톤이 발생하는 빈도를 제거합니다. 
그것은 본질적으로 잔향을 줄이는 문자열 (및 / 또는 악기 몸체)의 자연 주파수를 약간 이동하는 감쇠기입니다.
늑대 음색은 다리 아래의 현이 때때로 현의 연주 부분에 대한 음표와 가까운 피치에서 공명하기 때문에 발생합니다. 
의도 된 메모가 다리 아래의 문자열을 동정적으로 진동하게 만들 때, 불협화음의 "늑대 음표"또는 "늑대 톤"이 발생할 수 있습니다. 
어떤 경우에는 늑대 음색이 가청 "때리는"소리를 낼 수있을만큼 강합니다. 늑대 음색은 종종 저음의 메모 G♯와 함께 발생합니다.
오케스트라에서 악기는 오보이스트가 연주하는 A에 맞춰집니다. 오보이스트의 튜닝 A와 저음의 열린 A 현 사이의 3옥타브 간격으로 인해
 (예를 들어, 440 Hz로 튜닝하는 오케스트라에서는 오보이스트가 440 Hz에서 A4를 연주하고 저음의 열린 A1은 55 Hz입니다) 
오보이스트가 튜닝 노트를 연주하는 짧은 기간 동안 귀로 저음을 조정하기가 어려울 수 있습니다. 반면 바이올리니스트들은 
자신의 A 스트링을 오보이스트의 튜닝 노트와 같은 주파수로 튜닝한다. 이 맥락에서 D 문자열 (오보에 A 아래의 옥타브 만)에서
 A 고조파를 연주 한 다음 다른 문자열의 고조파를 일치시켜 이중 저음을 튜닝하는 데 일반적으로 사용되는 방법이 있습니다. 
그러나이 방법은 일부 저음의 고조파가 열린 문자열과 완벽하게 조화되지 않기 때문에 완벽하지 않습니다. 
저음이 조정되도록하기 위해 일부 베이시스트는 작은 디스플레이에서 피치를 나타내는 전자 튜너를 사용합니다. 
블루스, 로커빌리 또는 재즈와 같은 베이스 앰프를 사용하는 스타일로 연주하는 베이시스트는 스톰박스 형식의 
전자 튜너를 사용할 수 있으며, 튜닝 중에 베이스 픽업을 음소거합니다.

더블베이스 스탠드는 악기를 제자리에 고정하고 바닥에서 몇 인치 높이는데 사용됩니다. 다양한 스탠드를 사용할 수 있으며 일반적인 디자인은 하나도 없습니다.

클래식 레퍼토리
더블 베이스를 위한 솔로 작품
1700년대
솔로 악기로서의 더블 베이스는 18 세기 동안 인기의시기를 즐겼으며 그 시대의 가장 인기있는 작곡가 중 많은 사람들이 더블베이스를위한 곡을 썼습니다. 
당시 바이올론(Violone)이라고도 불리는 더블 베이스는 지역마다 다른 튜닝을 사용했습니다. "비엔나 튜닝"(A1-D2-F2-A2♯)이 인기가 있었고 경우에 따라 
다섯 번째 문자열 또는 여섯 번째 문자열 (F1-A1-D2-F2-A2♯)이 추가되었습니다. [28] 악기의 인기는 레오폴드 모차르트의 바이올린슐레 두 번째 판에 기록되어 있는데, 
그는 "다섯 현의 바이올론으로 어려운 구절을 쉽게 만들 수 있으며, 협주곡, 트리오스, 솔로 등의 비정상적으로 아름다운 공연을 들었다"고 썼다.

이탈리아의 베이스 거장 도메니코 드래곤에티는 작곡가들이 자신의 악기에 더 어려운 부분을 주도록 격려하는 데 도움을 주었다.
더블베이스에 대한 가장 초기의 협주곡은 Joseph Haydn c.1763에 의해 쓰여졌으며 Eisenstadt 도서관에서 화재로 잃어버린 것으로 추정됩니다. 
가장 먼저 알려진 기존 협주곡은 Carl Ditters von Dittersdorf가 작곡한 것으로, 그는 더블 베이스를 위한 두 개의 협주곡과 비올라와 더블 베이스를 
위한 Sinfonia Concertante를 작곡했습니다. 이 시기부터 협주곡을 작곡한 다른 작곡가로는 요한 침례교 반할, 
프란츠 안톤 호프마이스터(협주곡 3개), 레오폴드 코젤루치, 안톤 짐머만, 안토니오 카푸치, 웬젤 피클(협주곡 2개), 
요하네스 마티아스 스퍼거(협주곡 18개) 등이 있다. 이 이름 중 많은 부분이 당시의 음악 대중에게 주요 인물 이었지만 
현대 관객에게는 일반적으로 알려지지 않았습니다. 볼프강 아마데우스 모차르트의 콘서트 아리아, Per Questa Bella Mano, 
K.612 for bass, double bass obbligato, 오케스트라는 그 시대의 솔로 더블 베이스에 대한 인상적인 작곡을 포함하고 있습니다. 
그것은 가수들과 더블 베이시스트 모두에게 오늘날에도 인기가 있습니다.

더블베이스는 결국 낮은 음표와 더 큰 사운드가 필요한 오케스트라의 요구에 맞게 진화했습니다. Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger, Johannes Mathias Sperger와 
같은 18 세기 중후반의 선도적 인 더블 베이시스트는 "비엔나"튜닝을 사용했습니다. 더블 베이스를 위한 협주곡을 작곡한 
베이시스트 요한 힌들(Bassist Johann Hindle, 1792-1862)은 네 번째로 베이스를 튜닝하는 데 앞장섰으며, 
이는 더블베이스의 전환점이자 솔로 작품에서의 역할을 표시했다. 
베이시스트 도메니코 드래곤에티는 저명한 음악적 인물이자 하이든과 루드비히 판 베토벤의 지인이었다. 
그의 연주는 고향 이탈리아에서 러시아의 차르돔에 이르기까지 모든 곳에서 알려졌으며 런던 필 하모닉 협회 
(Philharmonic Society of London)와의 콘서트에서 공연하는 유명한 장소를 발견했습니다. 베토벤과 드래곤에티의 우정은 
다섯 번째 교향곡의 세 번째 운동의 인상적인 구절, 일곱 번째 교향곡의 두 번째 움직임, 아홉 번째 교향곡의 마지막 
움직임과 같은 교향곡의 더블 베이스를위한 어렵고 분리 된 부분을 쓰도록 영감을 주었을 것입니다. 이 부분은 첼로 부분을 두 배로 늘리지 않습니다.

Dragonetti는 더블베이스를 위해 열 개의 협주곡을 작곡했으며 저음과 피아노를위한 많은 솔로 작품을 작곡했습니다. 로시니가 1824년 여름 런던에 머무는 동안, 
그는 첼로를 위해 인기 있는 듀에토와 드래곤에티와 첼리스트 데이비드 살로몬스를 위한 더블 베이스를 작곡했다. Dragonetti는 G-D-A를 위에서
 아래로 튜닝 한 세 개의 현악기 더블 베이스에서 자주 연주했습니다. 상위 세 개의 현악기만 사용하는 것은 19세기 
오케스트라의 베이스 솔리스트와 수석 베이시스트들에게 인기가 있었는데, 이는 저음의 나무 꼭대기에 가해지는 압력을 줄였기 때문이며, 
이는 더 공명적인 사운드를 만들어낼 것으로 생각되었기 때문입니다. 또한 19세기에 사용된 낮은 E-스트링은 장으로 만들어진 두꺼운 코드였는데, 
이는 튜닝과 연주가 어려웠다.

1800년대
19 세기에 오페라 지휘자, 작곡가 및 베이시스트 조반니 보테시니 (Giovanni Bottesini)는 바이올린 거장과 작곡가에 대한 참조 인 당시의 
"더블 베이스의 파가니니"로 간주되었습니다. 보테시니의 베이스 협주곡은 19세기의 인기 이탈리아 오페라 스타일로 작곡되었으며, 
이전에는 볼 수 없었던 방식으로 더블 베이스를 활용했다. 그들은 거장 달리기와 악기의 가장 높은 레지스터, 
심지어 자연 및 인공 고조파의 영역으로 큰 도약이 필요합니다. 많은 19 세기와 20 세기 초반의 베이시스트는 이러한 작곡을 재생할 수 없다고 생각했지만
 2000 년대에는 자주 공연됩니다. 같은 기간 동안 프란츠 시만델, 시어도어 알빈 핀데이젠, 요제프 흐라베, 루드비히 마놀리, 
아돌프 미섹 등 체코 지역의 저명한 베이스 선수들이 생겨났다. Simandl과 Hrabe는 또한 2000 년대에 방법 서적과 연구가 여전히 사용되는 교육자였습니다.


재즈계의 새로운 "젊은 사자"중 한 명인 크리스티안 맥브라이드 (1972 년생)는 네 개의 그래미 어워드를 수상했습니다.

스콧 오웬, 호주 록 밴드 The Living End의 더블 베이스 연주자
유명한 클래식 연주자 일뿐만 아니라 에드가 마이어는 블루그래스와 뉴그래스 서클에서 잘 알려져 있습니다. 
토드 필립스는 또 다른 저명한 블루그래스 선수입니다. 잘 알려진 로커빌리 베이시스트는 빌 블랙, 
마샬 라이틀 (빌 헤일리 & 그의 혜성과 함께) 및 리 로커 (1980 년대 로커빌리 부흥 운동가 인 Stray Cats와 함께)를 포함합니다.

1990 년대와 21 세기 초반의 주목할만한 로커빌리 부흥 운동가와 심리 연주자로는 Scott Owen (호주 밴드 The Living End), 
Jimbo Wallace (미국 밴드 Horton Heat 목사), Kim Nekroman (Nekromantix), Patricia Day (HorrorPops), Geoff Kresge
 (Tiger Army, ex-AFI) 등이 있습니다. 윌리 딕슨 (Willie Dixon, 1915-1992)은 리듬과 블루스의 역사에서 가장 주목할만한 인물 중 한 명입니다. 
그는 직립 베이시스트일 뿐만 아니라 수십 개의 R&B 히트곡을 작곡하고 프로듀서로 일했다. 
그는 또한 척 베리의 수많은 로큰롤 히트곡에서 베이스를 연주합니다. El Rio Trio (네덜란드 출신)와 같은 다른 많은 로커빌리 밴드도이 악기를 작업에 사용합니다. 

교육학 및 교육
더블베이스에 대한 교육학과 훈련은 장르와 국가에 따라 크게 다릅니다. 클래식 더블 베이스는 수세기 전으로 거슬러 올라가는 교육학의 역사를 
가지고 있으며, 교습 매뉴얼, 연구 및 학생들이 왼손의 지구력과 정확성을 개발하고 절하는 손을 제어하는 데 도움이되는 진보적 인 운동을 포함합니다. 
고전 교육 방법은 국가마다 다릅니다 : 주요 유럽 국가의 대부분은 특정 방법 (예 : 프랑스의 Edouard Nanny 방법 또는 독일의 Franz Simandl 방법)과 관련이 있습니다. 
고전 훈련에서 오른손에 대한 대부분의 지시는 절제음의 생산에 중점을 둡니다. 피지카토 톤의 종류를 연구하는 데 거의 시간을 할애하지 않습니다.

대조적으로, 재즈와 블루스와 같이 주로 또는 독점적으로 피자 카토 (뽑기)를 사용하는 장르에서는 
템피의 다른 스타일의 음악에 사용되는 다양한 피자 카토 스타일의 다양성을 배우는 데 많은 시간과 노력이 집중되어 있습니다. 
예를 들어, 재즈에서 야심 찬 베이시스트는 손가락의 측면을 사용하여 발라드에 대한 완전하고 깊은 사운드를 만들고, 빠른 걷기 베이스 
라인 또는 솔로를 위해 손가락 끝을 사용하고, 음소거 또는 부분적으로 음소거 된 문자열을 긁어 다양한 타악기 유령 노트를 수행하는 등 
광범위한 피지카토 톤을 수행하는 방법을 배워야합니다.

공식 교육

재즈 가수 / 베이시스트 에스페란자 스팔딩 (Esperanza Spalding)은 2009 년 12 월 10 일 2009 년 노벨 평화상 콘서트에서 공연했습니다.
모든 장르 중에서 클래식과 재즈는 가장 확립되고 포괄적 인 교육 및 훈련 시스템을 갖추고 있습니다. 고전 환경에서 
아이들은 악기에 대한 개인 레슨을 받고 어린이 또는 청소년 오케스트라에서 공연을 시작할 수 있습니다. 
전문 클래식 베이시스트가되기를 열망하는 청소년은 대학, 온실 및 대학을 포함한 다양한 공식 교육 환경에서 학업을 계속할 수 있습니다.
 대학은 저음 성능의 인증서와 졸업장을 제공합니다.

프랑스와 퀘벡 (캐나다)의 표준 음악 훈련 시스템 인 음악원은 더블베이스 연주자에게 수업과 아마추어 오케스트라 경험을 제공합니다. 
대학은 학사 학위, 음악 석사 학위 및 음악 예술 박사 학위를 포함한 다양한 더블베이스 프로그램을 제공합니다. 
또한 클래식 여름 캠프 및 오케스트라, 오페라 또는 실내악 훈련 축제와 같은 다양한 교육 프로그램이 학생들에게 다양한 음악을 연주 할 수있는 기회를 제공합니다.

베이스 연주 학사 학위 (B.Mus. 또는 B.M라고 함)는 개인베이스 레슨, 아마추어 오케스트라 경험, 음악 역사, 음악 이론 및 교양 과목
 (예 : 영어 문학)의 일련의 과정을 포함하는 4 년 프로그램으로, 학생에게보다 균형 잡힌 교육을 제공합니다. 일반적으로베이스 
공연 학생들은 협주곡, 소나타 및 바로크 양식의 스위트와 같은 솔로 더블베이스 음악의 여러 리사이틀을 수행합니다.

더블베이스 연주의 음악 학위 (M.mus.)의 마스터는 개인 레슨, 앙상블 경험, 오케스트라 더블베이스 파트 연주 코칭, 
음악 역사 및 음악 이론 대학원 과정, 하나 또는 두 개의 솔로 리사이틀로 구성됩니다. 음악 석사 학위 (M.Mus. 또는 M.M라고 함)는 
종종 대학이나 음악원에서 더블베이스 교수가되기를 원하는 사람들에게 필요한 자격 증명입니다.


맨해튼 음악 학교 교수 티모시 콥 (Timothy Cobb)은 2000 년대 후반에베이스 수업을 가르쳤습니다. 그의 저음은 확장에서 
피치를 재생하기위한 버튼이있는 금속 "기계"가있는 낮은 C 확장을 가지고 있습니다.
뮤지컬 아트 박사 (D.M A., DMA, D.Mus.A. 또는 A.Mus.D.) 더블 베이스 공연 학위는 최고 수준의 예술 및 교육학 수준에서 
고급 학습을위한 기회를 제공하며, 일반적으로 석사 학위 (학사 학위 이상의 약 30 + 학점)를 초과하는 54 + 학점을 추가로 요구합니다. 
이러한 이유로 입학은 매우 선택적입니다. 음악 역사, 음악 이론, 귀 훈련 / 받아쓰기 및 입학 시험 - 리사이틀 시험이 필요합니다. 
학생들은 박사 학위 논문, 고급 교과 과정 및 최소 B 평균과 함께 강의 - 리사이틀을 포함하여 여러 가지 리사이틀 (약 여섯 개)을 수행하며
 D .M.A. 프로그램의 다른 전형적인 요구 사항입니다.

재즈의 초기 역사를 통틀어 더블 베이스 연주자들은 론 카터와 찰스 밍거스의 경우처럼 악기를 비공식적으로 배웠거나 일찍부터 클래식 트레이닝을 받았다.
 1980 년대와 1990 년대에 대학과 대학은 재즈 공연에서 졸업장과 학위를 소개하기 시작했습니다. 
재즈 디플로마 또는 음악 학사 프로그램의 학생들은 개인베이스 레슨을 받고, 숙련 된 선수의 코칭으로 작은 재즈 콤보에 대한 경험을 쌓고, 
재즈 빅 밴드에서 연주합니다. 클래식 교육 프로그램과 마찬가지로 재즈 프로그램에는 음악 역사 및 음악 이론의 교실 과정도 포함됩니다. 
재즈 프로그램에서이 과정은 재즈 역사의 다른 시대에 중점을 둡니다. 스윙, 베밥 및 퓨전과 같은. 
이론 과정은 재즈 즉흥 연주와 재즈 컴핑 (동반) 및 재즈 곡의 구성에 사용되는 음악 기술에 중점을 둡니다. 
재즈 여름 캠프와 훈련 축제 / 세미나가있어 학생들에게 새로운 기술과 스타일을 배울 수있는 기회를 제공합니다.

비공식 교육
블루스, 로커빌리, 사이코빌리와 같은 다른 장르에서는 교육학 시스템과 훈련 순서가 공식화되고 제도화되지 않습니다. 
블루스베이스 공연에는 학위가 없거나 로커빌리 베이스로 여러 년 동안 졸업장을 제공하는 음악원이 없습니다. 
그러나 다양한 책, 연주 방법, 그리고 1990 년대 이래로 교육용 DVD (예 : 로커빌리 스타일의 슬랩베이스를 연주하는 방법에 대한)가 있습니다. 
따라서 이러한 다른 장르의 공연자는 베이스 메소드 북 또는 DVD를 사용하여 비공식적 인 학습, 개인 레슨 및 코칭, 레코드 및 CD에서 
배우는 등 다양한 경로에서 오는 경향이 있습니다. 일부 경우에, 블루스 또는 로커빌리 베이시스트는 클래식 또는 재즈 교육학 시스템
(예를 들어, 청소년 오케스트라 또는 고등학교 빅 밴드)을 통해 초기 훈련을 받았을 수 있다. 활을 굽히는 구절과 재즈 
스타일의 피자 카토 라인을 많이 사용하는 탱고와 같은 장르에서 베이시스트는 클래식 또는 재즈 훈련 경로에서 오는 경향이 있습니다.

채용 정보
더블 베이스의 커리어는 장르와 지역 또는 국가에 따라 크게 다릅니다. 대부분의 베이시스트는 성과와 교육 직업의 혼합으로 생계를 꾸려 나갑니다. 
대부분의 공연 직업을 얻는 첫 번째 단계는 오디션에서 플레이하는 것입니다. 재즈 지향 무대 밴드와 같은 일부 음악 스타일에서, 
베이시스트는 인쇄된 음악을 읽거나 앙상블과 함께 표준 곡(예를 들어, Now's the Time과 같은 재즈 표준)을 수행하도록 요청받을 수 있다. 
마찬가지로, 록 또는 블루스 밴드에서 오디션은 다양한 록 또는 블루스 표준을 연주하도록 요청 받을 수 있습니다. 
블루스 밴드의 직립 베이시스트 오디션은 스윙 스타일의 워킹 베이스라인, 로커빌리 스타일의 "슬랩핑" 베이스라인
(현이 손가락판에 타악기로 부딪히는 경우), 그리고 1950년대 발라드에서 연주하도록 요청받을 수 있습니다. 
팝 또는 록 음악의 일부 스타일에서 베이시스트로서의 역할을 위해 오디션을하는 사람은 백업 가수로서 
하모니 보컬을 수행 할 수있는 능력을 보여줄 것으로 예상 될 수 있습니다. 일부 팝 및 록 그룹에서는 
베이시스트가 때때로 일렉트릭베이스, 키보드 또는 어쿠스틱 기타와 같은 다른 악기를 연주하도록 요청 받을 수 있습니다. 
일렉트릭베이스를 연주 할 수있는 능력은 밴드가 클래식 록 또는 새로운 컨트리 노래를 연주하는 경우 국가 그룹에서 널리 기대됩니다.


1952 년 독일 더블 베이스 섹션. 왼쪽의 선수는 독일 활을 사용하고 있습니다.
클래식 음악
클래식 음악에서 베이시스트는 오케스트라에서 일하거나 대학이나 음악원 프로그램 또는 학위에 입학하기위한 오디션을 봅니다. 
클래식 베이스 오디션에서 연주자는 일반적으로 J.S. 바흐 스위트에서 솔로 첼로 또는 베이스 협주곡의 움직임과 오케스트라 
문학에서 발췌 한 다양한 발췌문을 연주합니다. 발췌문은 일반적으로 오케스트라 문학에서베이스 부분과베이스 솔로에서 
기술적으로 가장 어려운 부분입니다. 베이스 오디션에서 가장 일반적으로 요청되는 오케스트라 발췌문 중 일부는 베토벤의
 교향곡 5, 7 및 9 번에서 발췌 한 것입니다. 스트라우스의 Ein Heldenleben과 Don Juan; 모차르트의 교향곡 번호 35, 39 및 40; 
브람스의 교향곡 1번과 2번; 스트라빈스키의 풀시넬라; 쇼스타코비치의 교향곡 5번; Ginastera's Variaciones Concertante; 
차이코프스키의 교향곡 4번; 말러의 교향곡 2번; J. S. 바흐의 스위트 룸 2 번 B; Berlioz의 심포니 판타스티크, 멘델스존의 교향곡 4번; 
베르디의 오페라 오텔로, 말러의 교향곡 1번, 브리튼의 오케스트라에 대한 젊은 사람 가이드, 프로코피예프의 키예 스위트 중위의 베이스 솔로.


바흐: 더블베이스에서 공연되는 비동반 첼로 스위트
더블베이스 협주곡
역사적인 클래식 더블베이스 
트리플 콘트라베이스 바이올
피콜로 베이스
톨로체

바이올린 가족
더블 베이스베이스 (사운드)콘트라베이스 악기C 악기리듬 섹션재즈 악기로커빌리 악기블루스 악기증폭된 계기민속 음악 악기오케스트라 악기문자열 섹션바로크 악기바소 연속체 악기


콘트라베이스(영어: double bass, 이탈리아어: contrabbasso)는 서양 음악에 쓰이는 활을 사용하는 악기 중에서는 가장 크기가 크고 가장 낮은 음역을 가진 현악기이다. 
더블 베이스(영어: double bass)라고도 부른다.

튜닝
오케스트라 튜닝 - 가장 낮은 음의 현부터 E, A, D, G음으로 하며, 줄과 줄 사이의 음정은 완전 4도이다.
솔로 튜닝 - 오케스트라 튜닝보다 장2도 높게 튜닝하여 낮은 순서대로 F#, B(H), E, A음이 된다.
콘트라베이스를 위한 악보는 낮은음자리표와 가온음자리표를 사용한다.

연주
다른 현악기와 마찬가지로 오른손은 활을 이용해 연주하거나 줄을 튕겨 소리를 내고(피치카토), 왼손은 지판을 짚어 음정을 잡는 데 사용한다. 
선 자세나 높은 의자에 앉은 자세로 연주한다. 현악합주나 오케스트라의 낮은음자리를 담당하나, 재즈나 포퓰러 음악에서는 
마이크로폰의 효과를 이용하여 피치카토 주법을 주로 하며 단독으로 쓰인다. 현악합주나 오케스트라의 경우 첼로의 옥타브 아래를 연주할 경우, 
독립적인 효과를 낸다. 또한 재즈인 경우 피치카토를 주로 한 솔로는 리듬 섹션으로 중요할 뿐만 아니라 독주자로서도 점차로 중요한 음악성이 요구되고 있다. 
피치카토는 G선이 가장 잘 울린다.


콘트라바스(이탈리아어: contrabbasso)는 매우 낮은 피치의 여러 악기를 말하며, 일반적으로 베이스 레지스터 악기 아래의 옥타브 하나를 말합니다. 
이 용어는 가장 일반적으로 더블 베이스 [인용 필요] (첼로보다 낮게 조정 된 오케스트라 현악기 패밀리의 베이스 악기)를 지칭하지만, 
콘트라베이스 레지스터의 다른 많은 악기가 존재합니다.

"콘트라베이스"라는 용어는 상대적이며, 일반적으로 특정 범위의 악기가 아닌 그 유형의 매우 낮은 피치 악기를 나타냅니다. 
예를 들어, 콘트라베이스 플룻의 가장 낮은 음은 콘트라베이스 클라리넷보다 약 옥타브 높습니다. 
더블 콘트라베이스 플루트 또는 서브콘트라베이스 색소폰과 같은 콘트라베이스 악기 아래에 튜닝된 악기는 "더블 콘트라베이스", 
"트리플 콘트라베이스", "서브콘트라베이스" 또는 "옥토콘트라베이스" 악기라고 할 수 있습니다. 반면에, "콘트라베이스"분류는 종종 그러한 도구를 포함합니다.

Contrabass bugle
콘트라바스 헬리콘
콘트라베이스 
콘트라베이스
EE♭의 콘트라베이스 색소폰
BB♭의 콘트라베이스 색소폰
EEE♭의 Subcontrabass saxhorn
BBB♭의 Subcontrabass saxhorn
콘트라베이스 트롬본, 베이스 트롬본 아래의 F 또는 BB♭에서
콘트라베이스 트럼펫
BBB♭의 서브 콘트라 바스 튜바
우드윈드
콘트라베이스 클라리넷, B♭ 소프라노 클라리넷 아래 두 옥타브
Octocontralto clarinet, alto clarinet 아래의 두 옥타브
Subcontralto clarinet, octocontralto clarinet의 별칭

Octocontrabass clarinet, B♭ 소프라노 클라리넷 아래의 세 옥타브
콘트라베이스 플루트, C 콘서트 플루트 아래의 두 옥타브
Subcontrabass 플루트, 알토 플루트 아래의 두 옥타브
더블 콘트라베이스 플룻, C 콘서트 플루트 아래의 세 옥타브
하이퍼베이스 플루트, C 콘서트 플루트 아래 네 옥타브
콘트라베이스 오보에, 오보에 아래 두 옥타브
콘트라베이스 오카리나, C의 베이스 오카리나 아래 옥타브 하나
그레이트 콘트라베이스 포머
콘트라베이스 라켓
콘트라베이스 레코더, F, 알토 / 고음 레코더 아래의 두 옥타브
Subcontrabass 레코더, C, 소프라노 / 데스칸트 레코더 아래의 세 옥타브
서브 콘트라베이스 레코더, F, 알토 / 고음 레코더 아래의 세 옥타브
콘트라베이스 사루소폰, 콘트라베이스 색소폰과 유사한 범위
콘트라베이스 색소폰, 알토 색소폰 아래 두 옥타브
Subcontrabass 색소폰, 테너 색소폰 아래의 두 옥타브
콘트라베이스 주석 휘파람[3]
콘트라베이스 tubax, 색소폰과 같은 악기 알토 색소폰 아래 두 옥타브
Subcontrabass tubax, 테너 색소폰 아래의 두 옥타브
콘트라바순, 바순 아래의 옥타브
콘트라포르테(Contraforte)는 최근에 발명된 콘트라바순의 독점적인 와이드 보어 변종으로, 더 강력한 음색과 상향 포인팅 벨을 가지고 있습니다.
리드 콘트라베이스
콘트라바소폰
슬라이드 리드 서브콘트라베이스
콘트라베이스 하모니카
콘트라베이스 가수, 베이스 프로폰도 또는 옥타비스트, 희귀 한 서브베이스, 콘트라베이스 옥타브에서 음표를 연주하는 클래식 가수
더블 베이스, 콘트라베이스 바이올린
바이올론, 또는 콘트라베이스 바이올
옥토바스
트리플 콘트라베이스 바이올
달라루안, 현대 중국 오케스트라에서 사용
현대 중국 오케스트라에서 사용되는 다디후
어쿠스틱 베이스 기타
베이스 기타
콘트라베이스 기타
서브콘트라베이스 기타
콘트라베이스 발랄라이카, 러시아 전통 민속 음악에 사용되는 큰 삼각형 루트
기타론, 마리아치 앙상블에 사용되는 멕시코 어쿠스틱 베이스 기타
Chitarrone moderno, 만돌린 오케스트라에서 사용하기 위해 이탈리아 luthiers에 의해 1900 년경에 디자인 된 뽑은 저음 유형
콘트라베이스 우쿨렐레, 일반적으로 칼라 U-베이스로 판매
 "베이스와 콘트라베이스 트럼펫". 콘트라베이스 매니아. 2007년 3월 12일에 확인함.
 "Sub-Contrabass Whistle Profundo". 시프와 피플 포럼. 2007년 3월 12일에 확인함.
 "콘트라바소폰". 콘트라베이스 매니아. 2007년 3월 12일에 확인함.
 "슬라이드 리드 서브 콘트라베이스". 콘트라베이스 매니아. 2007년 3월 12일에 확인함.
낮은 악기에 전념하는 "콘트라베이스 매니아"사이트
콘트라베이스 악기

더블 베이스의 큰 크기와 상대적인 취약성으로 인해 취급과 운반이 번거로워집니다. 대부분의 베이시스트는 공연 가방이라고 불리는 부드러운 케이스를 
사용하여 운송 중에 악기를 보호합니다. 학생들이 사용하는 저렴하고 얇은 패딩되지 않은 케이스 (긁힘이나 비로부터 만 보호)부터 
전문 선수를위한 두껍게 패딩 된 
버전까지 다양하며 범프와 충격으로부터 보호합니다. 일부 베이시스트는 단단한 활 케이스에 활을 운반합니다. 
더 비싼 저음 케이스에는 활 케이스를위한 큰 주머니가 있습니다. 
플레이어는 또한 작은 카트를 사용하고 핀이 부착 된 바퀴를 끝내어 저음을 움직일 수 있습니다. 
일부 고가의 패딩 케이스에는 케이스에 바퀴가 부착되어 있습니다. 고가의 패딩 케이스에서 발견되는 
또 다른 옵션은 악기를 쉽게 운반 할 수 있도록 배낭 스트랩입니다.


더블 베이스를 위한 하드 비행 케이스
하드 플라이트 케이스는 쿠션이 적용된 내부와 탄소 섬유, 흑연, 유리 섬유 또는 케블라의 거친 외관을 가지고 있습니다. 
좋은 하드 케이스의 비용 - 수천 달러 - 그리고 그들을 운송하기위한 높은 항공사 수수료는 여행 전문가에 대한 사용을 제한하는 경향이 있습니다.

부속품

저음 다리에 부착 된 나무 음소거로 톤을 더 어둡게 만듭니다.
더블베이스 플레이어는 다양한 액세서리를 사용하여 공연과 리허설을 돕습니다. 오케스트라 음악에는 세 가지 유형의 뮤트가 사용됩니다 : 
다리에 미끄러지는 나무 음소거, 다리에 부착되는 고무 음소거 및 다리에 맞는 황동 무게가있는 와이어 장치. 플레이어는 이탈리아어 명령어 con sordino 
( "음소거 포함")가 저음 부분에 나타날 때 음소거를 사용하고 senza sordino의 지시에 대한 응답으로 음소거를 제거합니다 ( "음소거 없음"). 
음소거를 켜면 저음의 음색이 더 조용하고 어둡고 우울합니다. 음소거가있는 저음 부분은 비강 톤을 가질 수 있습니다. 플레이어는 세 번째 유형의 음소거
 (무거운 고무 연습 음소거)를 사용하여 다른 사람 (예 : 호텔 방)을 방해하지 않고 조용히 연습합니다.

떨림은 활을 잡기위한 액세서리입니다. 그것은 종종 가죽으로 만들어지며 넥타이 또는 스트랩이있는 다리와 꼬리 조각에 부착됩니다. 
플레이어가 피자 카토 부분을 연주하는 동안 활을 잡는 데 사용됩니다.